Kostüm tasarımı - Costume design

Ayrıca bakınız: Sahne kıyafetleri
Gianetta - Gondolcular için kostüm tasarımı
Bir serinin parçası
Kostüm
P kültürü.svg
Arka plan
Toplum ve kültür
Tasarım
Öğeler ve yöntemler
Geleneksel
tiyatro
Dönem
Çocuklar
kurgusal
Organizasyonlar
Ödüller
İnsanlar
Müzeler

Kostüm tasarımı , bir karakterin veya oyuncunun genel görünümü için kıyafet yaratılmasıdır . Kostüm, bir millete, bir sınıfa veya bir döneme özgü kıyafet tarzını ifade edebilir. Çoğu durumda, belirli bir tiyatro veya sinema prodüksiyonuna özgü olan sanatsal, görsel dünyanın doluluğuna katkıda bulunabilir. En temel tasarımlar, durumu belirtmek, koruma veya alçakgönüllülük sağlamak veya bir karaktere görsel ilgi sağlamak için üretilir. Kostümler bir tiyatro , sinema veya müzik performansı için olabilir ancak bunlarla sınırlı olmayabilir. Kostüm tasarımı , her ikisi de sahne kıyafetleri yaratsa da, yalnızca mevcut kıyafetleri değiştirmeyi içeren kostüm koordinasyonu ile karıştırılmamalıdır .

Tiyatro tasarımında dört tür kostüm kullanılır: tarihi, fantastik, dans ve modern.

Tarih

Eski Yunanlılar arasında Dionysos onuruna düzenlenen köy festivalleri ve alayları (Ayrıca bkz: Dionysia ) tiyatronun ve dolayısıyla tiyatro kostümünün kökeni olduğuna inanılır. Heykel ve vazo resimleri bu kostümün en açık kanıtıdır. Ritüelleştirilmiş tiyatro tarzları nedeniyle, her karaktere belirli bir görünüm veren birçok maske kullanıldı ve bunlar komedi veya dramatik amaçlar için kullanılmalarına bağlı olarak değişiyordu. Bazı maskeler, maske değişikliği olmadan duygu değişikliğini belirtmek amacıyla aynı yüzde hem neşeli hem de ciddi bir yüzle inşa edildi. Aynı durum, rolleri ikiye katlamayı kolaylaştıran maske geleneğini sürdüren Romalılar için de geçerli.

Avrupa'da Orta Çağ'ın sonlarında, İncil hikayelerinin dramatik canlandırmaları yaygındı, bu nedenle performansları olabildiğince gerçekçi tutmak için geleneksel Bizans saray elbisesinden stilize edilmiş gerçek Hıristiyan kıyafetleri kostüm olarak giyildi. Bu tarz bir tiyatro için giyim sanatçıları olduğunda, basmakalıp karakterizasyon anahtardı. Çoğu durumda aktörler, günlük hayatta bulunan bir karakteri oynarken kendi kostümlerini sağlamak zorunda kaldılar.

Daha sonra İngiltere'de 1500-1600'lerde Elizabeth dönemi performansında kostüm en önemli görsel unsur haline geldi. Giysiler çok pahalıydı çünkü sadece en iyi kumaşlar kullanıldı. Karakterlerin çoğu Elizabeth dönemi tarzında giyinmişti, aksi takdirde kostümler beş kategoriye ayrılabilirdi; Bir başka dönemi temsilen modası geçmiş giysiler olan "Antik"; "Antik", klasik karakterleri ayırt etmek için çağdaş giyime daha eski eklemeler; doğaüstü veya alegorik karakterler için rüya gibi, "hayali" giysiler; Robin Hood gibi yalnızca birkaç belirli insanı temsil eden "geleneksel" giysiler veya belirli bir insan grubunu ayırmayı amaçlayan ancak tarihsel olarak doğru olma eğiliminde olmayan "Ulusal veya Irksal" kostümler.

"Normalde, Adrienne Lecouvreur'un trajedi için çok daha ayrıntılı ve resmi mahkeme kıyafetlerini benimsediği 1727'ye kadar hem komedi hem de trajedide modaya uygun giysiler kullanıldı. Uygulaması kısa sürede tüm trajik kahramanlar için standart hale geldi" Büyük aktörler birbirleriyle rekabet etmeye başladı. en gösterişli sahne elbisesine sahip olan kişi. Bu uygulama, kostümlerin tekrar karakterle alakalı hale geldiği 1750'lere kadar devam etti. Sanat, yaşamı kopyalamaya başladı ve özellikle 19. yüzyılda gerçekçi özellikler tercih edildi. Örneğin, ikinci Georg, Saxe-Meiningen Dükü tiyatroya kişisel ilgi duydu ve toplulukları yönetmeye başladı. Senaryonun ve zaman diliminin özgünlüğünü ve doğruluğunu savundu, bu nedenle oyuncuların kendi kostümlerini kurcalamasına izin vermeyi reddetti. Ayrıca gerçek zincir posta, zırh, kılıç vb. kullanarak malzemelerin özgün ve spesifik olduğundan emin oldu. Ucuz ikamelere izin verilmeyecekti.

Ağustos 1823 yılında bir sayısında Albüm , James Planche fazla dikkat o kostümleri söz konusu olduğunda, Shakespeare'in oyunlarının süre ödenmesi gerektiğini belirten bir makale yayınladı. Aynı yıl, sıradan bir konuşma, Planché'nin İngiliz tiyatrosu üzerindeki daha kalıcı etkilerinden birine yol açtı. O gözlenen Charles Kemble iyi, a at, bin pound sık bir Noel pandomim veya bir paskalya gösteri üzerine bolca ise, Shakespeare'in oyunları eğreti sahne sahne üzerinde bindirildi" olduğunu, Covent Garden'ın yöneticisi ve ana karakterler için yeni bir ya da iki elbise." Kemble "kasabanın beğenisini yakalayan doğru cihazların olası avantajını gördü" ve araştırmayı yürütecek, kostümleri tasarlayacak ve prodüksiyonu denetleyecekse , King John'un yaklaşmakta olan prodüksiyonunun kostüm kontrolünü Planché'ye vermeyi kabul etti . Planché bu alanda çok az deneyime sahipti ve Francis Douce ve Sir Samuel Meyrick gibi antikacılardan yardım istedi . İlgili araştırma, Planché'nin gizli antikacı ilgilerini ateşledi; bunlar daha sonraki yaşamında zamanının giderek artan bir bölümünü işgal etmeye başladı.

Oyuncuların çekincelerine rağmen, Kral John bir başarıydı ve Kemble ve Planché'nin benzer kostümlü Shakespeare yapımlarına öncülük etti ( Henry IV, Part I , As You Like It , Othello , Cymbeline , Julius Caesar ). Kral John , Henry IV , As You Like It , Othello , Hamlet ve Venedik Tüccarı'nın tasarımları ve renderları yayınlandı, ancak Hamlet ve Venedik Tüccarı'nın Planché'nin tarihsel olarak doğru kostüm tasarımlarıyla üretildiğine dair hiçbir kanıt yok . Planché ayrıca tarihsel olarak doğru kostümlerle sahnelenen bir dizi oyun veya uyarlama da yazdı ( Cortez , The Woman Never Vext , The Merchant's Wedding , Charles XII , The Partisans , The Brigand Chief ve Hofer ). 1830'dan sonra, hala dönem kostümü kullanmasına rağmen, oyunlardaki çalışmaları için artık tarihsel doğruluk iddiasında bulunmadı. Kral John'daki çalışması, neredeyse bir yüzyıl süren "on dokuzuncu yüzyıl sahne pratiğinde bir devrim" getirmişti.

1923 yılında yenilikçi bir serinin ilk çağdaş elbise yapımları Shakespeare oyunlarında, Cymbeline yönettiği, HK Ayliff açıldı, Barry Jackson 'ın Birmingham Repertuar Tiyatrosu'nda içinde İngiltere .

Le Cateau Cambrésis, Fransa'nın tarihi kostümleri

Çin tiyatrosunda kostümler çok önemlidir, özellikle Pekin Operası'nda. Genellikle yoğun desenli ve yüksek renklidirler. Standart öğeler en az 300 parçadan oluşur ve oyuncuların karakter tipini, yaşını ve sosyal durumunu süsleme, tasarım, renk ve aksesuarlar aracılığıyla tanımlar. "Renk her zaman sembolik olarak kullanılır: sadakat ve yüksek konum için kırmızı, kraliyet için sarı ve barbarlar veya askeri danışmanlar için koyu kırmızı." Amblemler için kullanılan tasarımlarda da sembolik önem bulunur. Örneğin, kaplan gücü ve erkeksi gücü temsil eder. Rütbe ne olursa olsun kıyafetlerin çoğu zengin ve lüks malzemelerden yapılmıştır. Makyaj da sembolik olarak kullanılır ve genel görünüm için çok önemlidir.

Japon Noh dramasında maskeler her zaman kullanılır ve kostümün öne çıkan yönü. Ahşaptan yapılırlar ve genellikle nesiller boyu kullanılırlar. Beş temel türü vardır; erkek, kadın, yaşlı, tanrılar ve canavarlar, hepsi birçok varyasyona sahip. Maskeler oyun boyunca sık sık değiştirilir. Japon tiyatrosunun başka bir türü olan Kabuki'de oyuncular maske takmaz, genel görünüm için büyük ölçüde makyaja güvenirler. Özellikler abartılı veya kaldırılmış ve bazı atletik roller için kas yapısı belirli bir modelde özetlenmiştir. Dramatik etki için değiştirilen tarihi giysilere dayalı olarak her rol için geleneksel kostümler kullanılır. "Bazı kostümlerin ağırlığı elli pound kadardır ve sahne görevlileri, oyuncuların sahnedeyken onları düzgün bir şekilde düzenlemelerine yardımcı olur."

Tasarım aşaması

Kostüm tasarım süreci birçok adımı içerir ve türden türe farklılık gösterse de yaygın olarak temel bir yöntem kullanılır.

Mozart'ın Sihirli Flütünün 2016 Yeni Zelanda Operası üretimi için Lisa Holmes tarafından kostüm tasarım çizimleri

1. Analiz :

İlk adım, senaryo, müzik kompozisyonu, koreografi vb.'nin analizidir. Gösteri için Kostüm Parametreleri belirlenir ve kaba bir kostüm planı oluşturulur. Bir kostüm konusu, hangi karakterin hangi sahnede olduğunu, oyuncuların ne zaman değiştiğini ve senaryoda hangi kostümlerden bahsedildiğini ana hatlarıyla belirtir.

2. Tasarım işbirliği : Tüm tasarımcıların yönetmenle buluştuğu süreçte önemli bir aşama. Gösterinin nereye gittiği konusunda net bir anlayış olmalıdır. Tasarımcılar, gösterinin temaları ve izleyicinin gösteriden ne tür bir mesaj almasını istedikleri konusunda yönetmenle aynı fikirdeler.

3. Kostüm araştırması : Yönetmen ve tasarımcılar aynı sayfada olduğunda, bir sonraki adım Kostüm tasarımcısının araştırma yapmasıdır. Kostüm tasarımcıları genellikle oyunun gerçekleştiği dünyayı kurmak için araştırma buldukları oyunun dünyası araştırmasıyla başlarlar. Bu, tasarımcıların dünyanın kurallarını belirlemelerine ve ardından karakterleri daha iyi anlamalarına yardımcı olur. Tasarımcı daha sonra, kostümleri aracılığıyla kişiliklerini oluşturmaya çalışmak için her bir karakter hakkında geniş bir araştırma yapacak.

Prag tiyatrosunda bir kostüm atölyesinde yaratan bir kadın .

4. Ön eskiz ve renk düzeni : Yeterli bilgi elde edildikten sonra Kostüm tasarımcıları ön eskizler oluşturarak işe başlarlar. tasarımcı, çok hızlı kaba eskizlerle başlayarak, gösterinin nasıl bir araya geleceği ve dünyanın kurallarına uyulup uyulmadığı konusunda temel bir fikir edinebilir. Kostüm tasarımcısı daha sonra daha ayrıntılı eskizlere girecek ve karakter için özel kostümler ve renkler belirleyecektir. Eskizler, üzerlerinde çok fazla zaman harcamak zorunda kalmadan gösteriyi bir bütün olarak görmenize yardımcı olur.

5. Son eskizler : Kostüm Tasarımcısı ve Yönetmen kostümler üzerinde anlaştıktan ve fikirler tamamen ortaya çıktıktan sonra tasarımcı son eskizleri oluşturacaktır. Bunlara render denir ve genellikle sulu boya veya akrilik boyalarla boyanır. Bu son eskizler, tasarımcının karakterin nasıl görünmesini istediğini ve kostümün renklerini gösteriyor.

Üretim süreci

Elbise kalıbına muslin kumaş dökümü örneği

Gösteri tasarlandıktan sonra, öğelerin nereden temin edileceğini planlamak gerekir. Dört seçenek var. Giysiler şunlar olabilir:

  • Bir kostüm mağazası stoğunda arama yapmak anlamına gelen Pulled
  • kiralık
  • alışveriş yaptı
  • İnşa edilmiş veya sipariş üzerine yapılmış olarak da bilinir.

Bir giysinin yapılmaya başlanmasının iki yolu vardır; desenli veya dökümlü ve çoğu zaman her iki yöntem birlikte kullanılacaktır. Model taslağı , oyuncunun ölçümlerinden geliştirilen bir dizi temel model bloğu kullanılarak başlar. Önce kağıda çizilirler, sonra kumaşa aktarılırlar ve uyumu test etmek için birlikte dikilirler.

Drapaj , aktörlerle yakından ilişkili ölçümlere sahip bir elbise formu veya manken üzerinde bir kumaş parçasının manipüle edilmesini içerir. Düz bir kumaş parçasının kesilip iğnelenerek kumaşın üç boyutlu bir gövdeye oturtulması için şekillendirilmesi işlemidir.

Bununla birlikte, bir kez inşa edildiğinde, kostüm "çalışmayı" bitirmedi. Kostümlerin en önemli yönü, oyuncuların performanslarını etkileme biçimleri ve kendi ortamlarında işlev görmeleridir. En iyi kostüm tasarımcıları, kostümlerin görsel ve mekansal koşullarını değerlendirdikten sonra özgün fikirlerini oluştururlar.

Ayrıca bakınız

Referanslar

Dış bağlantılar