sanat teorisi - Theory of art
Bir teknikte teorisi bir tanımı ile kontrast amaçlanmıştır teknikte . Geleneksel olarak tanımlar gerekli ve yeterli koşullardan oluşur ve tek bir karşı örnek böyle bir tanımı geçersiz kılar. Ve teori sanat Öte yandan, böyle bir doğal olay teoriye benzerdir yerçekimi . Aslında, bir sanat teorisinin ardındaki amaç, sanatı, diğerleri gibi araştırılması gereken doğal bir fenomen olarak ele almaktır . Bir sanat kavramı kullanılmadan bir sanat kuramından söz edilip edilemeyeceği sorusu da aşağıda tartışılmaktadır.
Bir tanım yerine bir teori aramanın arkasındaki motivasyon, en iyi zihinlerimizin karşı örnekler olmadan tanım bulamamasıdır. 'Tanım' terimi, Platonik çizgiler boyunca bir şekilde kavramların olduğunu varsayar ve bir tanım, kavramın özüne ulaşma ve özüne ulaşma girişimidir ve ayrıca en azından bazı insanların bu kavramlara entelektüel erişimi olduğunu varsayar. Buna karşılık, bir 'kavram', hiç kimse kavrama "erişemezken" bu ortak terimin ardındaki varsayılan özü kavramaya yönelik bireysel bir girişimdir.
Bir sanat teorisi, her birimizin bu ulaşılamaz sanat kavramının farklı kavramlarını kullandığımızı ve sonuç olarak dünyevi insan araştırmalarına başvurmamız gerektiğini varsayar.
estetik tepki
Teorileri estetik tepki veya sanatın işlevsel teorileri birçok yönden sanatın en sezgisel teoriler bulunmaktadır. Temelde, " estetik " terimi, bir tür fenomenal deneyime atıfta bulunur ve estetik tanımlar, sanat eserlerini estetik deneyimler üretmeyi amaçlayan eserler ile tanımlar. Doğa güzel olabilir ve estetik deneyimler üretebilir, ancak doğa bu deneyimleri üretme işlevine sahip değildir. Böyle bir işlev için bir niyet ve dolayısıyla fail - sanatçı gereklidir.
Monroe Beardsley genellikle sanatın estetik tanımlarıyla ilişkilendirilir. Beardsley'in sözleriyle, bir şey, "ya belirgin bir estetik karaktere sahip bir deneyim sağlamaya muktedir olması amaçlanan bir koşullar düzenlemesi ya da (tesadüfen) tipik olarak sahip olması amaçlanan bir sınıfa ya da düzenleme türüne ait bir düzenleme" ise sanattır. bu kapasite" ( Estetik bakış açısı: seçilmiş denemeler , 1982, 299). Ressamlar, boya/tuval ortamında "koşulları" düzenlerler ve dansçılar, örneğin, kendi vücut ortamlarının "koşullarını" düzenlerler. Beardsley'in ilk ayrımına göre, sanatın amaçlanan bir estetik işlevi vardır, ancak tüm sanat eserleri estetik deneyimler üretmeyi başaramaz. İkinci ayrım, bu kapasiteye sahip olması amaçlanan ancak başarısız olan sanat eserlerine izin verir (kötü sanat).
Marcel Duchamp'ın Çeşmesi , sanatın estetik tanımlarına karşı paradigmatik bir karşı örnektir. Bu tür eserler, amaçlanan estetik bir işleve sahip olmayan sanat eserleri oldukları için karşı örnek olarak adlandırılır. Beardsley, bu tür eserlerin ya sanat olmadığını ya da "sanat üzerine yorumlar" olduğunu söyler (1983): "Sırf sanat üzerine yorum yapıyorlar diye onları [Çeşme ve benzerlerini] sanat eseri olarak sınıflandırmak pek çok sıkıcı ve bazen anlaşılmaz dergi makaleleri ve sanat eseri olarak gazete incelemeleri" (s. 25). Bu yanıt yaygın olarak yetersiz kabul edilmiştir (REF). Ya soru soruyor ya da sanat yapıtları ile sanat yapıtları üzerine yapılan yorumlar arasındaki keyfi bir ayrıma dayanıyor. Günümüzde pek çok sanat teorisyeni, özellikle Duchamp tarzındaki sanat eserleri nedeniyle, sanatın estetik tanımlarının kapsamlı olarak yetersiz olduğunu düşünüyor.
biçimci
Sanatın biçimci kuramı sadece sanat "formu" değil "içerik" biçimsel özelliklerine odaklanması gerektiğini belirtmektedir. Bu biçimsel özellikler, görsel sanatlar için renk, şekil ve çizgiyi ve müzik sanatları için ritim ve armoniyi içerebilir. Biçimciler, sanat eserlerinin bir içeriğe, temsile veya anlatıya sahip olabileceğini inkar etmezler - daha ziyade, bu şeylerin sanatı anlamamız veya takdir etmemizle ilgili olduğunu reddederler.
Kurumsal
Sanat kurumsal teori doğası hakkında bir teori teknikte bir amacı, sadece bağlamında sanat olabilir ki tutan kurum "olarak bilinen de sanat ".
Örneğin kılan sorununa değinen Marcel Duchamp 'ın ' readymades bir yığın neden' resim veya bulaşık deterjanı bir süpermarkette karton sanat değildir, oysa Andy Warhol meşhur Brillo Kutuları (Brillo karton kopyalarından oluşan bir yığın)' dir , sanat eleştirmeni ve filozof Arthur Danto , 1964 tarihli "The Artworld" adlı makalesinde şunları yazdı:
Bir şeyi sanat olarak görmek, gözün kötüleyemeyeceği bir şey gerektirir - bir sanat teorisi atmosferi, bir sanat tarihi bilgisi: bir sanat dünyası.
Robert J. Yanal'a göre , Danto'nun sanat dünyası terimini türettiği makalesi , ilk kurumsal sanat teorisini özetledi.
Kurumsal teorinin versiyonları George Dickie tarafından "Defining Art" ( American Philosophical Quarterly , 1969) makalesinde ve Estetik: Bir Giriş (1971) ve Sanat ve Estetik: Kurumsal Analiz (1974) kitaplarında daha açık bir şekilde formüle edilmiştir . Dickie'nin kurumsal teorinin erken bir versiyonu aşağıdaki tanımında özetlenebilir sanat eseri itibaren An Introduction: Estetik :
Sınıflandırıcı anlamda bir sanat eseri, 1) belirli bir sosyal kurum (sanat dünyası) adına hareket eden bazı kişi veya kişilerin takdire aday statüsü verdiği bir eser 2) bir eserdir.
Dickie, teorisini birkaç kitap ve makalede yeniden formüle etti. Diğer sanat filozofları tanımlarını dairesel olmakla eleştirdiler.
Tarihi
Tarihsel sanat teorileri, bir şeyin sanat olabilmesi için mevcut sanat eserleriyle bir ilişkisi olması gerektiğini savunur. Yeni eserlerin sanat olabilmesi için benzer olmaları veya daha önce kurulmuş sanat eserleriyle ilgili olmaları gerekir. Böyle bir tanım, bu miras alınan statünün nereden kaynaklandığı sorusunu gündeme getirir. Bu nedenle, sanatın tarihsel tanımları ilk sanat için bir ayrım içermelidir: Bir şey, önceki sanat yapıtlarıyla tarihsel bir ilişkisi varsa ya da ilk sanatsa sanattır.
Sanatın tarihsel tanımıyla öncelikli olarak ilişkilendirilen filozof Jerrold Levinson'dur (1979). Levinson'a göre, "bir sanat eseri, bir sanat eseri olarak görülmesi amaçlanan bir şeydir: ondan önce var olan sanat eserlerinin herhangi bir şekilde doğru bir şekilde kabul edildiğine bakmak" (1979, s. 234) . Levinson ayrıca, "niyetindedir" ile şu anlama geldiğini açıklığa kavuşturur: "[M]amacı için alır, benimser ya da kavrar" (1979, s. 236). Bu saygı görme biçimlerinden bazıları (şimdiki zamanda) şunlardır: tam bir dikkatle görülmek, derin düşüncelere dalmak, görünüşe özel dikkat ile görülmek, "duygusal açıklık" ile görülmek (1979, s. 237). ). Bir nesne, yerleşik yollardan herhangi birinde dikkate alınmak istenmiyorsa, o zaman sanat değildir.
anti-özcü
Bazı sanat teorisyenleri, sanatı tanımlama girişiminin terk edilmesi gerektiğini öne sürdüler ve bunun yerine özcülük karşıtı bir sanat teorisini teşvik ettiler . 'The Role of Theory in Estetik'te (1956), Morris Weitz , 'sanat' kavramı için bireysel olarak gerekli ve ortak olarak yeterli koşulların asla ortaya çıkmayacağını çünkü bu kavramın "açık bir kavram" olduğunu iddia eder. Weitz, açık kavramları "uygulama koşulları düzeltilebilir ve düzeltilebilir" olan kavramlar olarak tanımlar (1956, s. 31). Sınırda sanat vakaları ve ilk bakışta karşı örnekler söz konusu olduğunda, açık kavramlar "kavramın kullanımını bunu kapsayacak şekilde genişletmek veya kavramı kapatmak ve yeni bir tane icat etmek için bizim tarafımızdan bir tür karar vermemizi gerektirir. yeni durum ve yeni özelliği" (s. 31 ital. orijinalinde). Yeni bir eserin sanat olup olmadığı sorusu "olgusal değil, daha çok, kavramı uygulamak için koşullar dizimizi genişletip genişletmediğimize bağlı olarak kararın verildiği bir karar sorunudur" (s. 32). Weitz'e göre, kavramı klasik bir tanımda (bazı statik tek anlamlı öz olarak) yakalamayı imkansız kılan, "sanatın çok geniş, maceracı karakteri, onun sürekli mevcut değişiklikleri ve yeni yaratımlarıdır".
Özcülük karşıtlığı hiçbir zaman resmen yenilgiye uğratılmamış olsa da, ona meydan okundu ve özcülük karşıtı teoriler hakkındaki tartışma daha sonra görünüşte daha iyi özcü tanımlar tarafından süpürüldü. Weitz'den sonra yorum yapan Berys Gaut , 'Küme Kavramı Olarak Sanat' (2000) başlıklı makalesiyle sanat felsefesinde özcülük karşıtlığını yeniden canlandırdı. Küme kavramları, sanat statüsüne katkıda bulunan ancak sanat statüsü için bireysel olarak gerekli olmayan kriterlerden oluşur. Bir istisna vardır: Sanat eserleri aracılar tarafından yaratılır ve bu nedenle bir eser olmak, sanat eseri olmak için gerekli bir özelliktir. Gaut (2005), sanat statüsüne katkıda bulunan bir dizi on kriter sunar:
- (i) pozitif estetik niteliklere sahip olmak (burada, güzelliği ve onun alt türlerini kapsayan pozitif estetik nitelikler kavramını dar anlamda kullanıyorum);
- (ii) duygu ifadesi olmak;
- (iii) entelektüel açıdan meydan okuyucu olmak;
- (iv) resmi olarak karmaşık ve tutarlı olmak;
- (v) karmaşık anlamları iletme kapasitesine sahip olmak;
- (vi) bireysel bir bakış açısı sergilemek;
- (vii) yaratıcı hayal gücünün bir egzersizi olmak;
- (viii) yüksek derecede becerinin ürünü olan bir eser veya performans olmak;
- (ix) yerleşik bir sanatsal forma ait; ve
- (x) bir sanat eseri yapma niyetinin ürünü olmak. (274)
Dokuz kriter tarafından oluşturulan herhangi bir alt küme gibi, on kriterin tümünün karşılanması sanat için yeterli olacaktır (bu, on özelliğin hiçbirinin gerekli olmadığı gerçeğinin bir sonucudur). Örneğin, Gaut'un kriterlerinden ikisini ele alalım: "estetik değere sahip olmak" ve "duyguları ifade etmek" (200, s. 28). Bu kriterlerin hiçbiri sanat statüsü için gerekli değildir, ancak her ikisi de sanat statüsü için yeterli olan bu on kriterin alt kümelerinin parçalarıdır. Gaut'un tanımı aynı zamanda sanat statüsü için dokuzdan daha az kritere sahip birçok alt kümenin yeterli olmasına izin verir, bu da oldukça çoğulcu bir sanat teorisine yol açar.
Sanat teorisi de düşüncedeki felsefi bir dönüşten etkilenir, sadece Kant'ın estetiği tarafından örneklendirilmekle kalmaz, aynı zamanda Heidegger'in modern teknolojinin özüne yansımaları ve onun üzerindeki etkileri açısından ontoloji ve metafiziğe daha yakından bağlıdır . o rezerv ayakta 'çağrıları ve bu onun nüfuzlu opus örneğin somutlaşan olarak o tarih, teori ötesine sanat ve sanatsal üretimin eleştiri araştırdı olduğunu olmanın soru üzerine bu perspektiften ne indirgenir tüm varlıklar: Sanat Eserinin Kökeni . Bunun felsefi köklerinde mimari düşünce üzerinde de etkisi olmuştur.
estetik yaratım
Zangwill , sanatın estetik-yaratma teorisini "sanatın nasıl üretildiği" (s. 167) ve "sanatçı temelli" bir teori olarak tanımlar . Zangwill, bir sanat eserinin üretiminde üç aşamayı ayırt eder:
- [F]ilk olarak, belirli estetik olmayan özellikler yaratılarak, belirli estetik özelliklerin gerçekleştirileceği anlayışı vardır; ikincisi, içgörüde öngörüldüğü gibi, estetik olmayan özelliklerdeki estetik özellikleri gerçekleştirme niyeti vardır; ve üçüncüsü, içgörü ve niyette tasavvur edilen estetik olmayan özelliklerde estetik özellikleri gerçekleştirmenin az çok başarılı eylemi vardır. (45)
Bir sanat eserinin yaratılmasında, içgörü, belirli estetik özellikleri gerçekleştirmek için yeterli eylemleri gerçekleştirmede nedensel bir rol oynar. Zangwill, bu ilişkiyi ayrıntılı olarak açıklamaz, ancak estetik özelliklerin yaratıldığının yalnızca bu içgörü "nedeniyle" olduğunu söyler.
Estetik özellikler, "şekil ve boyut gibi fiziksel özellikleri ve renkler veya sesler gibi ikincil nitelikleri içeren" estetik olmayan özellikler tarafından somutlaştırılır. (37) Zangwill, estetik özelliklerin, estetik olmayan özelliklerden üstün olduğunu söyler: sahip olduğu belirli estetik olmayan özelliklerden dolayı, yapıt belirli estetik özelliklere sahiptir (tersi değil).
Sanat nedir"?
"Sanat" teriminin en iyi nasıl tanımlanacağı sürekli bir tartışma konusudur; "sanat" terimiyle ne demek istediğimizin temellerini bile tartışan birçok kitap ve dergi makalesi yayınlandı. Theodor Adorno , Estetik Teori 1969'da "Sanatla ilgili hiçbir şeyin apaçık olmadığı apaçıktır" iddiasında bulunmuştur . Sanatçılar, filozoflar, antropologlar, psikologlar ve programcıların hepsi kendi alanlarında sanat kavramını kullanır ve ona önemli ölçüde değişen operasyonel tanımlar verir. Ayrıca, "sanat" teriminin temel anlamının bile yüzyıllar içinde birkaç kez değiştiği ve 20. yüzyılda da gelişmeye devam ettiği açıktır.
"Sanat" kelimesinin son zamanlardaki temel anlamı, kabaca " güzel sanatlar "ın kısaltmasıdır . Burada, becerinin, sanatçının yaratıcılığını ifade etmek, izleyicinin estetik duyarlılıklarını harekete geçirmek ya da izleyiciyi "daha ince" şeyleri düşünmeye çekmek için kullanıldığını kastediyoruz. Çoğu zaman, beceri işlevsel bir nesnede kullanılıyorsa, insanlar onu sanat yerine bir zanaat olarak göreceklerdir ; bu, birçok Çağdaş Zanaat düşünürü tarafından oldukça tartışılan bir öneridir . Aynı şekilde, beceri ticari veya endüstriyel bir şekilde kullanılıyorsa, sanat yerine tasarım olarak kabul edilebilir veya aksine, bunlar sanat formları olarak savunulabilir, belki de uygulamalı sanat olarak adlandırılabilir . Örneğin bazı düşünürler, güzel sanatlar ile uygulamalı sanatlar arasındaki farkın, herhangi bir açık tanımsal farklılıktan çok, nesnenin gerçek işleviyle ilgili olduğunu ileri sürmüşlerdir. Sanat genellikle bir fikri iletmek veya iletmekten başka bir işlev içermez.
1912 gibi geç bir tarihte bile Batı'da tüm sanatın güzelliği amaçladığını ve dolayısıyla güzel olmaya çalışmayan hiçbir şeyin sanat sayılamayacağını varsaymak normaldi. Cubists , Dadaistler , Stravinsky ve birçok daha sonra sanat akımları göre, güzellik böyle başarı bununla sanat tanımına merkezi olduğunu bu anlayışına karşı mücadele Danto , "Güzellik 1960'ların gelişmiş sanattan fakat sadece kaybolmuştu aynı zamanda o on yılın ileri sanat felsefesi." Belki de "ifade" ( Croce'nin teorilerinde) veya "karşı-çevre" ( McLuhan'ın teorisinde) gibi bir kavram , güzelliğin önceki rolünün yerini alabilir. Brian Massumi , "güzelliği", "ifade" ile birlikte geri getirdi. Sanat felsefesi için "güzellik" kadar önemli olan bir başka görüş, yirminci yüzyılda postmodern filozof Jean-François Lyotard tarafından geliştirilen "yüce" görüşüdür . André Malraux tarafından The Voices of Silence gibi eserlerde detaylandırılan bir başka yaklaşım da sanatın temelde metafizik bir soruya bir yanıt olduğudur ('Sanat', diye yazar, 'bir 'kader-karşıtı'dır). Malraux, sanatın bazen güzele ve yüce olana (esas olarak Rönesans sonrası Avrupa sanatında) yönelmesine rağmen, daha geniş sanat tarihinin gösterdiği gibi, bu niteliklerin hiçbir şekilde onun için gerekli olmadığını savunuyor.
Belki de (Kennick'in teorisinde olduğu gibi) artık sanatın hiçbir tanımı mümkün değildir. Belki de sanat, Wittgensteincı bir tarzda ( Weitz veya Beuys'de olduğu gibi ) birbiriyle ilişkili kavramlar kümesi olarak düşünülmelidir . Diğer bir yaklaşım ise, "sanat"ın temelde sosyolojik bir kategori olduğunu, sanat okullarının, müzelerin ve sanatçıların sanat olarak tanımladıkları her ne olursa olsun, resmi tanımlardan bağımsız olarak sanat olarak kabul edildiğini söylemektir. Bu "kurumsal sanat tanımı" (ayrıca bkz. Kurumsal Eleştiri ) George Dickie tarafından desteklenmiştir . Marcel Duchamp ve Andy Warhol (sırasıyla) onları sanat (yani sanat galerisi ) bağlamına yerleştirene kadar çoğu insan mağazadan satın alınan bir pisuar veya Brillo Box tasvirini sanat olarak görmedi . sanatı tanımlayan çağrışımlara sahip nesneler.
Usulcüler genellikle, bir sanat eserini sanat yapan şeyin, bir nesnenin doğasında bulunan herhangi bir özelliği veya sanat dünyasının kurumları tarafından topluma sunulduktan sonra ne kadar iyi karşılandığını değil, yaratılma veya görüntülenme süreci olduğunu öne sürerler. büyük. Bir şair birkaç dizeyi şiir niyetiyle yazarsa, onun yazılma yöntemi onu şiir yapar. Oysa bir gazeteci, daha sonra daha uzun bir makale yazmasına yardımcı olacak kısa notlar olarak tam olarak aynı kelimeleri yazarsa, bunlar bir şiir olmaz. Leo Tolstoy , diğer taraftan, onun içinde iddia sanat nedir? (1897), bir şeyin sanat olup olmadığına karar verenin, yaratıcısının niyeti değil, izleyicisi tarafından nasıl deneyimlendiğidir. Monroe Beardsley gibi işlevselciler , bir parçanın sanat olarak sayılıp sayılmayacağını , belirli bir bağlamda hangi işlevi yerine getirdiğine bağlı olduğunu savunuyorlar; Aynı Yunan vazosu, bir bağlamda (şarap taşımak) sanatsal olmayan bir işlev ve başka bir bağlamda sanatsal bir işlev (insan figürünün güzelliğini takdir etmemize yardımcı olur) oynayabilir.
Marksist, Walter Benjamin'in Yapımcı Olarak Yazar adlı makalesinde ve/veya sınıf mücadelesindeki politik rolünde olduğu gibi, sanat odağını üretim tarzındaki yeri üzerinde tanımlamaya çalışır . Marksist filozof bazı kavramlarını gözden geçirilmesi Louis Althusser , Gary Tedman tanımlar estetik düzeyde üretim ilişkilerinin toplumsal yeniden üretim açısından sanat.
Sanat nasıl olmalı?
Sanat için pek çok amaç ileri sürülmüştür ve estetisyenler çoğu zaman şu ya da bu hedefin bir şekilde üstün olduğunu savunurlar. Örneğin Clement Greenberg , 1960'da, her sanatsal ortamın, kendisini olası ortamlar arasında benzersiz kılan şeyi araması ve sonra kendisini bir biçim olarak kendi benzersizliğinin ifadesinden başka her şeyden arındırması gerektiğini savundu. Dadaist Tristan Tzara diğer taraftan deli toplumsal düzenin yıkılması olarak 1918 yılında sanat işlevini gördü. "Süpürmeli ve temizlemeliyiz. Delilik durumundan sonra bireyin temizliğini onaylayın, haydutların eline terk edilmiş bir dünyanın agresif tam deliliği." Resmi hedefler, yaratıcı hedefler, kendini ifade etme, politik hedefler, manevi hedefler, felsefi hedefler ve hatta daha algısal veya estetik hedefler, sanatın nasıl olması gerektiğine dair popüler resimler olmuştur.
sanatın değeri
Tolstoy sanatı şu şekilde tanımlamıştır: "Sanat, bir insanın, yaşadığı duyguları bilinçli olarak, belirli dış işaretler aracılığıyla başkalarına aktarması ve bu duyguların diğer insanlara bulaşmasından oluşan bir insan etkinliğidir. bunları deneyimleyin." Ancak bu tanım, onun sanat değeri teorisi için sadece bir başlangıç noktasıdır. Tolstoy'a göre sanatın değeri bir dereceye kadar empati değeriyle aynıdır. Ancak bazen empatinin değeri yoktur. Sanat Nedir?'in on beşinci bölümünde. , Tolstoy bazı duyguların iyi olduğunu, ancak diğerlerinin kötü olduğunu ve bu nedenle sanatın yalnızca empati ürettiğinde veya iyi duygular için ortak duygu oluşturduğunda değerli olduğunu söylüyor. Örneğin Tolstoy, yönetici sınıfın çökmekte olan üyelerine yönelik empatinin toplumu iyileştirmek yerine daha da kötüleştirdiğini iddia eder. On altıncı bölümde, en iyi sanatın, basit ve erişilebilir olumlu duyguyu ifade eden "evrensel sanat" olduğunu iddia eder.
Otostopçunun Galaksi Rehberi adlı kurgusal eserde kullanılan sanatın değerine ilişkin bir argüman , Dünya'nın yakında yok olacağını gösteren bir dış güç insanlığa bunun değerinin ne olduğunu sorarsa, insanlığın tepkisi ne olmalıdır? Argüman, insanlığın devam eden varlığı için sunabileceği tek gerekçenin , bir Shakespeare oyunu, bir Rembrandt tablosu veya bir Bach konçertosu gibi şeylerin geçmişte yaratılması ve sürekli yaratılması olacağı yönünde devam ediyor . Öneri, bunların insanlığı tanımlayan değerli şeyler olduğudur. Bu iddia hakkında ne düşünülürse düşünülsün -ve insanların hem bireysel hem de kolektif olarak yetenekli olduklarını gösterdikleri diğer pek çok başarıyı hafife alıyor gibi görünüyor- sanatın özel bir dayanma ("yaşamaya devam etme") kapasitesine sahip olduğu doğrudur. ) doğum anının ötesinde, çoğu durumda yüzyıllar veya bin yıl boyunca. Sanatın zaman içinde dayanma kapasitesi - tam olarak ne olduğu ve nasıl işlediği - modern estetikte büyük ölçüde ihmal edilmiştir.
Sanat teorisini ayarla
Her şeyin sanat olduğu fikrine göre küme bir sanat kuramının altı çizilmiştir. Burada - bu tür durumlardan daha yüksek önerilirken, bu tür durumlardan daha düşük referans için geliştirilmiştir; böylece sanat teorisinin rehavete karşı korunmak için ortaya çıktığını gösteriyor.
Her şey sanattır.
Buna bir örnek, her şeyi içine alacak kadar büyük bir sonsuz küme olacaktır; Ben Vautier'in 'Evren'i olarak verilen bir sanat eseri örneği ile.
Her şey ve biraz daha fazlası sanattır (Her şey+)
Bunun bir kümesi, içinde küçük bir daire bulunan sonsuz bir küme olacaktır; Aronsson'un 'Evren Portakalı' olarak verilen bir sanat eseri örneği ile (doğal boyutta bir fiziksel portakal ile evrenin bir yıldız haritasından oluşur).
Yaratılabilen her şey (pratik kullanım olmadan) sanattır (Her şey-)
Bunun bir kümesi, olumsuz bir evren olasılığına çok yakın bir gölge kümesi (evren) olacaktır.
Yaşanabilen her şey sanattır (Her şey--)
Bunun bir kümesi, birinci küme (bütün) olarak konumunu kaybetmeden diğer kümelerle yasal olarak etkileşime giren sonlu bir küme olacaktır; 'Orion Bulutsusu'nun (Bilinmeyen Sanatçı) resmi olarak verilen bir sanat eseri örneği ile.
Var olan, var olan ve var olacak her şey sanattır (Her şey++)
Bunun bir kümesi, her paralel evrenden oluşan sonsuz bir küme olacaktır; Marvels 'Omniverse' olarak verilen bir sanat eseri örneği ile.