Sanatla ilgili sınıflandırma anlaşmazlıkları - Classificatory disputes about art

Claude Monet , Impression, soleil levant ( Impression, Sunrise ), 1872, tuval üzerine yağlı boya, Musée Marmottan Monet

Sanat tarihçileri ve sanat felsefecileri, belirli bir kültürel biçimin mi yoksa bir eser parçasının mı sanat olarak sınıflandırılması gerektiği konusunda sanat hakkında uzun süredir sınıflandırıcı anlaşmazlıklar yaşıyorlar . Neyin sanat olduğu ve neyin sanat sayılmadığı konusundaki tartışmalar günümüzde de devam etmektedir.

sanatın tanımları

Dong Qichang , Manzara 1597. Dong Qichang, yüksek rütbeli bir Ming memuruydu, koleksiyon mühürleri ve şiirleriyle Çin edebiyat geleneği geleneğinde hayali manzaralar çiziyordu .

Sanatı tanımlamak zor olabilir. Estetikçiler ve sanat filozofları genellikle sanatı nasıl tanımlayacakları konusunda tartışmalara girerler. Orijinal ve en geniş tanımıyla sanat ( "beceri" veya " zanaat " anlamına gelen Latince ars'tan gelir ), çoğu zaman bir dizi beceriyi kullanarak bir bilgi bütününün etkili bir şekilde uygulanmasının ürünü veya sürecidir; bu anlam " liberal sanatlar " ve " dövüş sanatları " gibi ifadelerde korunur . Ancak kelimenin 1750'den sonra ön plana çıkan modern kullanımında "sanat" genellikle estetik bir sonuç üretmek için kullanılan beceri olarak anlaşılır (Hatcher, 1999).

Britannica Online, bunu "başkalarıyla paylaşılabilen estetik nesneler, ortamlar veya deneyimlerin yaratılmasında beceri veya hayal gücünün kullanılması" olarak tanımlar. Ancak günümüzde “sanat” teriminin en iyi nasıl tanımlanacağı çok tartışmalı bir konudur; “sanat” terimiyle ne demek istediğimizin temellerini bile tartışan birçok kitap ve dergi makalesi yayınlandı (Davies, 1991 ve Carroll, 2000). Theodor Adorno 1969'da "Artık sanatla ilgili hiçbir şeyin apaçık olmadığı apaçık ortada" iddiasında bulundu. Sanatı tanımlama hakkının kimde olduğu açık değildir. Sanatçılar, filozoflar, antropologlar ve psikologlar, sanat kavramını kendi alanlarında kullanırlar ve birbirine pek benzemeyen işlevsel tanımlar verirler.

“Sanat” kelimesinin ikinci, daha dar, daha yeni anlamı, kabaca yaratıcı sanat veya “ güzel sanatlar ” için bir kısaltmadır . Burada, becerinin, sanatçının yaratıcılığını ifade etmek veya izleyicinin estetik duyarlılıklarını harekete geçirmek için kullanıldığını kastediyoruz. Genellikle, beceri, bir sanat eseri olmaktan başka hiçbir pratik işlevi olmayan resimler veya heykeller yerine pratik kullanımı olan nesneler yaratmak için kullanılıyorsa , dekoratif sanatlar , uygulamalı sanat ve zanaat gibi sınıflandırmalara girdiği kabul edilecektir. güzel sanatlardan ziyade. Aynı şekilde, beceri ticari veya endüstriyel bir şekilde kullanılıyorsa, sanat yerine tasarım olarak kabul edilecektir . Bazı düşünürler, güzel sanatlar ile uygulamalı sanat arasındaki farkın, herhangi bir açık tanımsal farklılıktan çok, sanat hakkında yapılan değer yargılarıyla ilgili olduğunu ileri sürmüşlerdir (Novitz, 1992). Modern ayrım, o zamanlar en saygın sanat medyasının genellikle metal işleri , oymalı taşlar , tekstiller ve diğer "uygulamalı sanatlar" olduğu ortaçağ sanatı gibi daha eski dönemler için iyi çalışmaz ve sanat eserlerinin algılanan değeri genellikle en az sanatçının yaratıcı girdisi kadar malzeme maliyeti ve eseri yaratmak için harcanan zamanın miktarı.

Sanatların sınıflandırılması şemaları

Tarihsel şemalar

In Zhou hanedanı antik Çin'de, mükemmellik Liu Yi (六藝) veya " Altı Sanat " nin beklenen JUNZI gibi filozofların tanımlanan, (君子) veya "tam bir beyefendi" Konfüçyüs . Bu sanat hem yayılmış Çünkü sivil ve askeri altısının excelling hayatın yönlerini çok yuvarlak ve olmak için bir bilgin gerekli polymathic . Altı Sanat şöyleydi:

İmparatorluk Çin tarihinde daha sonra, Altı Sanat , bilgin-resmi kastın öğrenmesi ve takip etmesi için benzer bir dört sanat sistemi yaratarak ayrıştırıldı :

  • Qín (琴), müziği temsil eden bir enstrüman
  • Qí (棋), askeri stratejiyi temsil eden bir masa oyunu
  • Shu (書) veya Çin kaligrafisi , okuryazarlığı temsil eder
  • Huà (畫) veya Çin resmi , görsel sanatları temsil ediyor

Sanatı, antik çağda bir disiplinler grubu olarak sistematik olarak tanımlamaya yönelik bir başka girişim, antik Yunan İlham Perileri tarafından temsil edilmektedir . Standart dokuz İlham Perisi'nin her biri , Yunanlıların techne olarak adlandırdıkları , kabaca "sanat" anlamına gelen ancak aynı zamanda "zanaat" veya "zanaatkarlık" olarak da çevrilmiş olan dokuz daldan birini sembolize etti ve somutlaştırdı ve kelimenin tanımı da dahil edildi. daha bilimsel disiplinler. Bu dokuz geleneksel dal şunlardı:

In Ortaçağ Hıristiyan Avrupa , üniversiteler yedi standart bir dizi öğretilen temel kültür gibi erken ortaçağ filozofları tarafından tanımlanan, Boethius ve York Alcuin ve bu tür etrafında felsefesi olarak. Bu konuların tanımları ve uygulamaları ağırlıklı olarak Yunanistan ve Roma'nın eğitim sistemine dayanıyordu. Bu yedi sanatın kendileri iki kategoriye ayrıldı:

Bu dönemde ve Rönesans'tan sonra da devam eden İngilizce'deki "sanat" kelimesi ve diğer dillerdeki benzerleri henüz modern anlamlarını kazanmamıştı. Sanatı bugün anladığımız çerçevede tartışan ilk filozoflardan biri, Lectures on Estetik (Estetik Üzerine Dersler ) adlı kitabında en çok materyalden en etkileyiciye doğru beş ana sanatın sıralamasını açıklayan Georg Wilhelm Friedrich Hegel'di :

  1. mimari
  2. heykel
  3. tablo
  4. müzik
  5. şiir

Hegel'in özellikle Fransa'da yakalanan sanatları listelemesi ve sürekli değişikliklerle liste, 21. yüzyıla kadar Fransız kültüründe alakalı ve bir tartışma konusu olarak kaldı. Bu sınıflandırma, 1923'te "Yedinci Sanat Manifestosu"nu yazan erken dönem film bilgini Ricciotto Canudo tarafından popüler hale getirildi . Her disipline, listenin yerleşimine göre verilen sıfatlar, genellikle, özellikle çağrı ile olmak üzere, onlara açıklama yoluyla atıfta bulunmak için kullanılır. "yedinci sanat" filmi. Fransız Kültür Bakanlığı, "yeni" bir sanatın tanımlanmasına ilişkin karar alma sürecine sıklıkla katılır. On sanat genellikle şu şekilde verilir:

  1. le premier sanat: mimari
  2. le deuxième art: heykel
  3. le troisième sanatı: boyama
  4. le quatrième sanatı: müzik
  5. le cinquième art: edebiyat , şiir ve nesir dahil
  6. le sixieme sanat: sahne sanatları dahil dans ve tiyatro
  7. le septième art: film ve sinema
  8. le huitième art: radyo , televizyon ve fotoğraf dahil "les arts médiatiques"
  9. le neuvième art: çizgi roman
  10. le dixième art: video oyunları veya daha genel olarak dijital sanat formları

Bir sonraki sanat biçimini neyin oluşturması gerektiğine dair süregelen anlaşmazlık, bir asırdan fazla bir süredir devam ediyor. Şu anda, le onzième sanatı için çeşitli yarışmacılar var ; bunların çoğu, uygulayıcıları, araçlarının sanat olarak yeterince takdir edilmediğini düşünen eski disiplinler. 11. için özellikle popüler olan bir yarışmacı , tıpkı Canudo'nun sinemanın ilk altı sanatın doruk noktası olduğunu iddia ettiği gibi, on sanatı bir araya getirmeyi amaçlayan multimedyadır . Performans sanatı , gösteri sanatlarından ayrı olarak le douzième veya "onikinci" sanat olarak adlandırılmıştır .

Sanatın genelleştirilmiş tanımları

Rönesans'tan bu yana geleneksel Batı sınıflandırmaları , antik dünyaya kadar uzanan sanatsal teoriyi kullanarak, eserin sanatçının yaratıcı girdisini gösterme derecesine dayanan türler hiyerarşisinin varyantları olmuştur . Böyle bir düşünce , Romantizmin estetiğiyle bir miktar destek aldı . Geleneksel Çin sanatında uygulanan benzer bir teorik çerçeve ; örneğin hem Batı hem de Uzak Doğu manzara resmi geleneklerinde (bakınız edebiyat resmi ), hayali manzaralara, gerçek bir manzara görünümünün gerçekçi tasvirlerinden daha yüksek bir statü verildi - Batı'da “ topografik görünümlere ” indirgendi .

Birçoğu, sanatı veya güzelliği tanımlamaya çalışmanın bile bir hata olduğunu, özleri olmadığını ve dolayısıyla tanımlarının olamayacağını savundu. Genellikle sanatın tek bir kavramdan ziyade birbiriyle ilişkili kavramlar kümesi olduğu söylenir. Bu yaklaşımın örnekleri arasında Morris Weitz ve Berys Gaut yer alır.

Andy Warhol , sanat eseri olarak Brillo Kutularının ahşap heykellerini sergiledi .

Diğer bir yaklaşım ise, “sanat”ın temelde sosyolojik bir kategori olduğunu, sanat okulları, müzeler ve sanatçılar ne pahasına olursa olsun resmi tanımlardan bağımsız olarak sanat olarak kabul edildiğini söylemektir. Bu kurumsal sanat teorisi George Dickie tarafından desteklenmiştir . Marcel Duchamp ve Andy Warhol (sırasıyla) onları sanat bağlamında (yani sanat galerisi ) yerleştirene kadar çoğu insan mağazadan satın alınan bir pisuarı veya bir Brillo Kutusu'nun heykelsi tasvirini sanat olarak görmedi . sanatı tanımlayan değerlere sahip bu nesnelerin.

Usulcüler genellikle, bir sanat eserini sanat yapan şeyin, bir nesnenin doğasında bulunan herhangi bir özelliği değil, ya da topluma tanıtıldıktan sonra sanat dünyasının kurumları tarafından ne kadar iyi karşılandığını değil, yaratılma veya görüntülenme süreci olduğunu öne sürerler. genel olarak. Örneğin John Dewey için, yazar bir parçanın şiir olmasını amaçladıysa, diğer şairlerin bunu kabul edip etmemesi önemlidir. Oysa tam olarak aynı kelimeler dizisi bir gazeteci tarafından daha sonra daha uzun bir makale yazmasına yardımcı olmak için kısa notlar olarak yazılmış olsaydı, bunlar bir şiir olmazdı.

Leo Tolstoy ise bir şeyi sanat yapanın ya da olmayanın yaratıcısının niyetiyle değil, izleyicisi tarafından nasıl deneyimlendiği olduğunu iddia eder. Monroe Beardsley gibi işlevselciler, bir parçanın sanat olarak sayılıp sayılmayacağını , belirli bir bağlamda hangi işlevi yerine getirdiğine bağlı olduğunu savunuyorlar. Örneğin, aynı Yunan vazosu bir bağlamda sanatsal olmayan bir işlev (şarap taşımak) ve başka bir bağlamda sanatsal bir işlev (insan figürünün güzelliğini takdir etmemize yardımcı olur) oynayabilir.

Sanatın sınıflandırılmasıyla ilgili anlaşmazlıklar

Filozof David Novitz, sanatın tanımıyla ilgili anlaşmazlıkların nadiren sorunun özü olduğunu, bunun yerine “insanların sosyal hayatlarında edindiği tutkulu ilgi ve çıkarların” “sanatla ilgili tüm sınıflandırma tartışmalarının bir parçası” olduğunu savundu. Novitz, 1996). Novitz'e göre, sınıflandırma anlaşmazlıkları, teoriden ziyade değerlerimizle ve toplumumuzla nereye gitmeye çalıştığımızla ilgili anlaşmazlıklardır.

Öte yandan Thierry de Duve , sanatın tanımı konusundaki tartışmaların, Marcel Duchamp'ın bir hazır yapıtı sanat eseri olarak sunmasının zorunlu bir sonucu olduğunu savunuyor . 1996 tarihli Kant After Duchamp kitabında Kant'ın Yargı Eleştirisi'ni yeniden yorumluyor ve "bu güzeldir" ifadesini "bu sanattır" ile değiştirerek, Duchamp sonrası sanatı ele almak için Kant estetiğini kullanıyor.

Kavramsal sanat

Ana madde: Kavramsal sanat

Fransız sanatçı Marcel Duchamp'ın 1910'lar ve 1920'lerden kalma çalışmaları , kavramsalcıların önünü açarak, onlara önceki sınıflandırmalara meydan okuyan prototipik olarak kavramsal işlerin ( örneğin hazır ürünler ) örneklerini sağladı. Kavramsal sanat, 1960'larda bir hareket olarak ortaya çıktı. "Kavramsal sanat" hareketinin ilk dalgası, yaklaşık 1967'den 1978'e kadar uzandı. Henry Flynt , Robert Morris ve Ray Johnson gibi erken dönem "kavram" sanatçıları , Dan Graham , Hans Haacke ve Douglas gibi kavramsal sanatçıların daha sonra yaygın olarak kabul edilen hareketini etkiledi. Huebler .

Daha yakın zamanlarda, Damien Hirst liderliğindeki “ Genç İngiliz Sanatçılar ” (YBA'lar) 1990'larda ön plana çıktı ve çalışmalarını, etkisini yaratmak için büyük ölçüde sanat nesnesine dayanmasına rağmen, kavramsal olarak görülüyor. Terim, nesnenin sanat eseri olmadığı veya genellikle üretiminde sanatsal beceri gerektirmeyen bulunmuş bir nesne olduğu temelinde onlarla ilişkili olarak kullanılır . Tracey Emin , kendisinin olduğunu inkar etmesine ve kişisel duygusal ifadeyi vurgulamasına rağmen, önde gelen bir YBA ve kavramsal bir sanatçı olarak görülüyor.

Tartışmalı kavramsal sanatın son örnekleri

1991

Charles Saatchi, Damien Hirst'ü finanse ediyor . Ertesi yıl, Saatchi Galerisi , Hirst'ün Ölümün Fiziksel İmkansızlığı Yaşayan Birinin Zihninde Ölümün Fiziksel İmkansızlığı'nı, vitrin içinde formaldehit içinde bir köpekbalığı sergiliyor .

1993

Vanessa Beecroft , İtalya'nın Milano kentinde bir performans sergiliyor . Burada genç kızlar, yemek günlüğünün görüntülenmesine ikinci bir izleyici olarak hareket ederler.

1999

Tracey Emin , Turner Ödülü'ne aday gösterildi . My Bed böyle prezervatif, kanlı pantolon, şişe ve onu yatak terlik gibi döküntü ile çevrili, onu yatak dağınık oluşuyordu.

2001

Martin Creed , aksi takdirde boş bir odada ışıkların açılıp kapandığı, doğru bir şekilde başlıklı Işıklar Açılıyor ve Kapanıyor için Turner Ödülü'nü kazandı .

2002

Miltos Manetas, Whitneybiennial.com'u ile Whitney Bienali'nin karşısına çıkıyor.

2005

Simon Starling , Shedboatshed için Turner Ödülü'nü kazandı . Starling, bir tekneye dönüştürdüğü, Ren Nehri'nde yüzdüğü ve ardından yeniden bir kulübeye dönüştürdüğü ahşap bir kulübe sundu .

İngiltere'de tartışma

Ölü Bir Köpekbalığı Sanat Değildir , Stuckism International Gallery , 2003

Stuckist 1999 yılında kurulan sanatçıların grup, kendilerini ilan "temel nedeni kavramların eksikliğine fikirleri ve anti-kavramsal sanat ile yanlısı çağdaş figüratif resim." Ayrıca bunu iddialı, "önemsiz ve sıkıcı" olarak nitelendirdiler ve 25 Temmuz 2002'de bir gösteride Beyaz Küp galerisinin dışına "Kavramsal Sanatın Ölümü" yazan bir tabut bıraktılar . 2003 yılında, Stuckism International Gallery , Damien Hirst'ün çalışmasına açıkça atıfta bulunan A Dead Shark Isn't Art başlığı altında korunmuş bir köpekbalığı sergiledi (yukarıdaki anlaşmazlıklara bakın).

Bir BBC2 yılında Newsnight ev sahipliğinde 19 Ekim 1999 tarihinde programa Jeremy Paxman ile Charles Thomson yılki Turner Ödülü ve sanatçı olduğunu saldıran Brad Lochore Lochore bir karton kaide üzerine plastik bir deterjan şişesi getirmişti ederken savunan Thomson, Stuckist resimlerini gösteren edildi. Bir aşamada Lochore, "insanlar bunun sanat olduğunu söylüyorsa, bu sanattır" der. Paxman, "Yani her şeyin sanat olduğunu söyleyebilir misin?" diye soruyor. ve Lochore yanıtlar, "Her şeyin sanat olduğunu söyleyebilirsiniz..." Bu noktada Thomson'ın ekran dışında, "Ayakkabım sanat eseri mi?" dediği duyulabilir. aynı zamanda ayakkabısı Lochore'un önünde beliriyor ve Lochore, "Öyle diyorsan. Bu şartlara göre değerlendirmem gerekiyor." Thomson'ın yanıtı, "Hayatımda daha önce hiç bu kadar gülünç bir şey duymadım."

2002 yılında, Ivan MASSOW , Başkanı Çağdaş Sanatlar Enstitüsü kavramsal sanat "iddialı, rahatına düşkün, craftless tat" ve kendi kıçına yok olma tehlikesi" markalı ... gibi kültürel Çarlar tarafından yönetilen Tate 's Sör Nicholas Serota ". Massow dolayısıyla istifa etmek zorunda kaldı. Yıl sonunda , bir sanat okulu mezunu olan Kültür Bakanı Kim Howells , Turner Ödülü'nü "soğuk, mekanik, kavramsal saçmalık" olarak kınadı.

Ekim 2004'te Saatchi Galerisi medyaya "resim, sanatçıların iletişim kurmak için seçtikleri en alakalı ve hayati yol olmaya devam ediyor" dedi. Bunu takiben Charles Saatchi , YBA ( Young British Artists ) koleksiyonundan öne çıkan eserleri satmaya başladı .

Bilgisayar ve video oyunları

Ana madde: Bir sanat formu olarak video oyunları

Bilgisayar oyunları, 1970'lere kadar pek bir izleyici kitlesine ulaşmasa da, 1947'ye kadar uzanıyor. Bilgisayar ve video oyunlarının birçok sanat türünü içerdiğini inkar etmek zor ve tuhaf olurdu (elbette, "sanat" kavramının kendisinin de belirtildiği gibi, çeşitli tanımlara açık olduğunu akılda tutarak). Bir video oyununun grafikleri dijital sanatı , grafik sanatı ve muhtemelen video sanatını oluşturur ; Bir video oyunu orijinal film müziği açıkça teşkil müziği . Bununla birlikte, video oyununun bir bütün olarak bir tür sanat eseri, belki de bir etkileşimli sanat biçimi olarak görülmesi gerekip gerekmediği bir tartışma noktasıdır .

Örneğin film eleştirmeni Roger Ebert , video oyunlarının sanat olmadığını ve yapısal nedenlerden dolayı her zaman sinemadan daha aşağı düzeyde kalacağını iddia ederek kayıtlara geçti, ancak daha sonra "asla oynamayacağını" söyleyerek bu konudaki bilgi eksikliğini kabul etti. okunacak iyi bir kitap veya izlenecek iyi bir film olduğunda bir oyun". Video oyunu tasarımcısı Hideo Kojima , video oyunu oynamanın sanat olmadığını, ancak oyunların sanatsal bir tarza sahip olduğunu ve sanatı içerdiğini savundu. Video oyunu tasarımcısı Chris Crawford, video oyunlarının sanat olduğunu savunuyor. Esquire köşe yazarı Chuck Klosterman da video oyunlarının sanat olduğunu savunuyor. Tadhg Kelly, oyunun kendisinin sanat olmadığını ve eğlencenin tüm oyunlar için sürekli bir gereklilik olduğunu, bu nedenle oyunlardaki sanatın etkileşimden ziyade konum ve mekan sanatı olduğunu savunuyor.

Ayrıca bakınız

Notlar ve referanslar

daha fazla okuma

  • Noel Carroll, Bugün Sanat Kuramları. 2000
  • Thierry de Duve, Duchamp'tan Sonra Kant. 1996
  • Evelyn Hatcher, ed. Kültür Olarak Sanat: Sanat Antropolojisine Giriş. 1999
  • David Novitz, “Sanatla İlgili Anlaşmazlıklar” Estetik ve Sanat Eleştirisi Dergisi 54:2, Bahar 1996
  • Nina Felshin , ed. Ama Sanat öyle mi? 1995
  • David Novitz, Sanatın Sınırları. 1992
  • Stephen Davies, Sanatın Tanımları. 1991
  • Leo Tolstoy , Sanat Nedir?