Tiyatro - Theatre

Sarah Bernhardt olarak Hamlet 1899 yılında,

Tiyatro veya tiyatro , gerçek veya hayali bir olayın deneyimini belirli bir yerde, genellikle bir sahnede canlı bir izleyici önünde sunmak için , genellikle aktörler veya aktrisler olmak üzere canlı sanatçıları kullanan işbirlikçi bir performans sanatı biçimidir . Sanatçılar bu deneyimi jest , konuşma, şarkı, müzik ve dans kombinasyonları yoluyla izleyiciye iletebilirler . Örneğin boyalı sahne ve teknikte unsurları, Stagecraft gibi aydınlatma deneyimi fizikselliği, varlığı ve aciliyetin arttırmak için kullanılır. Gösterinin özel yeri, aynı zamanda "tiyatro" kelimesiyle de adlandırılır.Antik Yunan θέατρον (théatron, "izlemek için bir yer"), kendisi θεάομαι'dan (theáomai, "görmek", "izlemek", "gözlemlemek").

Modern Batı tiyatrosu, büyük ölçüde, teknik terminolojiyi, türlere göre sınıflandırmayı ve temalarının , stok karakterlerinin ve olay örgüsünün pek çok unsurunu ödünç aldığı antik Yunan tiyatrosundan gelir . Tiyatro sanatçısı Patrice Pavis , teatralliği, teatral dili , sahne yazımı ve tiyatronun özgünlüğünü , tiyatroyu diğer gösteri sanatları , edebiyat ve genel olarak sanatlardan ayıran eş anlamlı ifadeler olarak tanımlar .

Modern tiyatro, oyun ve müzikal tiyatro performanslarını içerir . Bale ve operanın sanat biçimleri de tiyatrodur ve oyunculuk , kostüm ve sahneleme gibi birçok geleneği kullanır . Müzikal tiyatronun gelişmesinde etkili oldular ; daha fazla bilgi için bu makalelere bakın.

tiyatro tarihi

Klasik ve Helenistik Yunanistan

Taormina , Sicilya , İtalya'daki Yunan tiyatrosu
Bir usta (sağda) ve onun kölesi (sol) rol oynayan aktörlerin bir tasviri Yunan phlyax oyun 350/340 M.Ö. dolaylarında,

Şehir-devlet, içinde Atina batı tiyatro kökenli yerdir. Festivaller , dini ritüeller , siyaset , hukuk , atletizm ve jimnastik, müzik , şiir , düğünler, cenazeler ve sempozyumları içeren klasik Yunanistan'da daha geniş bir teatrallik ve performans kültürünün parçasıydı .

Şehir devletinin birçok festivaline katılım - ve özellikle City Dionysia'ya seyirci olarak (hatta tiyatro yapımlarında bir katılımcı olarak) zorunlu katılım - vatandaşlığın önemli bir parçasıydı . Toplumsal katılımı da değerlendirilmesi katılan söylemler arasında hatipler de performansları kanıtladığı kanun mahkeme veya siyasi montaj tiyatro benzer olarak algıladıkları her ikisi de ve giderek onun dramatik kelime absorbe geldi. Yunanlılar ayrıca dramatik eleştiri ve tiyatro mimarisi kavramlarını da geliştirdiler . Aktörler ya amatördü ya da en iyi ihtimalle yarı profesyoneldi. Antik Yunan tiyatro üç çeşitten oluşan dramı : trajedi , komedi ve Satyr oyun .

İlk tiyatro teorisyeni olan Aristoteles'e (MÖ 384-322) göre antik Yunanistan'da tiyatronun kökenleri, Dionysos'u onurlandıran festivallerde bulunabilir. Gösteriler, 10.000-20.000 kişilik oturma kapasitesine sahip, yamaçlara bölünmüş yarı dairesel oditoryumda verildi. Sahne, bir dans pisti (orkestra), giyinme odası ve sahne oluşturma alanından (skene) oluşuyordu. Sözcükler en önemli kısım olduğundan, iyi akustik ve net anlatım çok önemliydi. Oyuncular (her zaman erkekler) temsil ettikleri karakterlere uygun maskeler takarlardı ve her biri birkaç rol oynayabilirdi.

Atina trajedisi - hayatta kalan en eski trajedi biçimi - şehir devletinin tiyatro kültürünün önemli bir bölümünü oluşturan bir dans- drama türüdür. 6. yüzyılda ortaya çıkmış, MÖ 5. yüzyılda çiçek açmış (sonundan itibaren Yunan dünyasına yayılmaya başlamıştır) ve Helenistik dönemin başlangıcına kadar popülerliğini sürdürmüştür .

MÖ 6. yüzyıldan kalma hiçbir trajedi ve MÖ 5. yüzyılda sahnelenen binden fazla trajediden yalnızca 32'si hayatta kaldı. Elimizde Aeschylus , Sophocles ve Euripides tarafından günümüze ulaşan eksiksiz metinler var . Trajedinin kökenleri olsa edildi 5 asırdan tarafından, karanlık kalır kurumsallaşmış yarışmalar (içinde agon kutlama etkinliklerinin bir parçası olarak düzenlenen) Dionysos ( tanrı ait şarap ve doğurganlık ). Şehir Dionysia yarışmasında (drama sahneleyen festivallerin en prestijlisi) yarışmacılar olarak oyun yazarlarının , genellikle üç trajedi ve bir trajediden oluşan bir oyun tetralojisi sunmaları gerekiyordu (her ne kadar bireysel eserler mutlaka hikaye veya tema ile bağlantılı olmasa da). satir oyunu. City Dionysia'daki trajedilerin performansı MÖ 534 gibi erken bir tarihte başlamış olabilir; resmi kayıtlar ( didaskaliai ) satir oyununun tanıtıldığı MÖ 501'den başlar.

Çoğu Atinalı trajediler olayları dramatize Yunan mitolojisinde olsa Persler aşamalarında -ki İran kendi askeri yenilginin haberlere tepkisini Salamis Savaşı'nda 480 yılında hayatta kalan drama kayda değer bir istisnası M.Ö.-olduğunu. Aeschylus MÖ 472'de City Dionysia'da birincilik ödülünü kazandığında, 25 yıldan fazla bir süredir trajediler yazıyordu, ancak yakın tarihin trajik muamelesi, hayatta kalan en eski drama örneğidir . 130'ün yıl sonra filozof Aristoteles en eski yaşayan çalışmalarında 5 yüzyıl Atinalı trajediyi analiz dramatik teori -onun Poetikası (c. 335 BCE).

Atina komedisi geleneksel olarak "Eski Komedi", "Orta Komedi" ve "Yeni Komedi" olmak üzere üç döneme ayrılır. Eski Komedi bugün büyük ölçüde Aristophanes'in hayatta kalan on bir oyunu biçiminde varlığını sürdürürken, Orta Komedi büyük ölçüde kaybolur (sadece Naucratis'li Athenaeus gibi yazarlarda nispeten kısa parçalarda korunur ). Yeni Komedi, öncelikle Menander'in önemli papirüs parçalarından bilinir . Aristoteles, komediyi, acı veya felakete neden olmayan bir tür gaf veya çirkinlik içeren gülünç insanların temsili olarak tanımladı.

Festivalde City Dionysia'da komedi ve trajedi kategorilerinin yanı sıra Satyr Play de yer aldı . Kökenlerini Dionysos'a adanan kırsal, tarımsal ritüellerde bulan satir oyunu sonunda en bilinen biçimiyle Atina'ya ulaştı. Satyr'in kendileri, sadık ormanlık yoldaşları olarak tanrı Dionysos'a bağlıydılar, genellikle onun yanında sarhoş şenlik ve yaramazlık yapıyorlardı. Satyr oyununun kendisi, yirminci yüzyılın başlarındaki daha modern burlesk geleneklerin yanında yer alan trajikomedi olarak sınıflandırıldı. Oyunların olay örgüleri tipik olarak, Tanrıların panteonunun ilişkileri ve onların insan ilişkilerine katılımıyla ilgiliydi ve Satyrs korosu tarafından destekleniyordu . Bununla birlikte, Webster'a göre , satir oyuncuları her zaman tipik satir eylemleri gerçekleştirmediler ve efsanevi bir orman yaratığı karakter tipine atanan oyunculuk geleneklerinden kopacaklardı.

Roma tiyatrosu

Bir oyunda maskeli oyuncuları betimleyen mozaik: iki kadın bir "cadıya" danışıyor

Batı tiyatrosu Romalılar döneminde önemli ölçüde gelişti ve genişledi . Romalı tarihçi Livy , Romalıların tiyatroyu ilk kez MÖ 4. yüzyılda Etrüsk oyuncularının bir performansıyla deneyimlediğini yazdı . Beacham, bu kaydedilen temastan bir süre önce "tiyatro öncesi uygulamalara" aşina olduklarını savunuyor. Antik Roma tiyatrosu gelişen ve çeşitli sanat formu, değişen oldu festivali performanslarının sokak tiyatrosu , çıplak dans ve akrobasi , evrelemesine Plautus'un geniş durumun çekici s' komediler , için yüksek tarzı , sözlü ayrıntılı trajedileri arasında Seneca . Roma performansının bir yerli geleneği olmasına rağmen, Hellenleşme ait Roma kültürüne 3. yüzyılda M.Ö. Roma tiyatrosu üzerinde derin ve enerji verici etkisi vardı ve gelişmesini teşvik Latin edebiyatının aşaması için en yüksek kalitede. Roma İmparatorluğu'ndan günümüze ulaşan tek oyun, Corduba doğumlu Stoacı filozof ve Nero'nun öğretmeni Lucius Annaeus Seneca'ya (4 M.Ö.-65 MS) atfedilen on dramadır.

Hint tiyatrosu

Koothu erken kökenli sanatı icra eski bir şeklidir Tamilakam .

Sanskritçe dramanın hayatta kalan en eski parçaları MS 1. yüzyıldan kalmadır. Daha önceki dönemlere ait arkeolojik kanıtların zenginliği, bir tiyatro geleneğinin varlığına dair hiçbir belirti sunmaz. Antik Vedalar ( ilahiler en erken örnekleri arasında yer alıyor 1500 ile 1000 BCE'in literatürde (az sayıda bir biçimde oluşmasa da dünyada) bunun hiçbir ipucu içermeyen diyalog ) ve ritüelleri arasında Vedik dönem yok tiyatroya dönüştüğü görülmektedir. Mahābhāṣya tarafından Patanjali Sanskritçe drama tohumları olmuş olabilir ne erken başvuru içeriyor. 140 BCE'den gramer üzerine bu inceleme, Hindistan'da tiyatronun başlangıcı için uygun bir tarih sağlar .

Sanskrit tiyatrosu için başlıca kanıt kaynağı Tiyatro Üzerine Bir İnceleme ( Nātyaśāstra ), beste tarihi belirsiz olan (tahminler MÖ 200 ile MS 200 arasında değişmektedir ) ve yazarlığı Bharata Muni'ye atfedilen bir özettir . Treatise antik dünyada Dramaturginin en eksiksiz eseridir. Bu adresler davranan , dans , müzik , dramatik yapıya , mimari , kostüm , makyaj , sahne , şirketler, seyirci, yarışmalar ve teklifler bir organizasyonu mitolojik tiyatro kökenli hesabını. Bunu yaparken, gerçek teatral pratiklerin doğası hakkında göstergeler sağlar. Sanskritçe tiyatro, kutsal topraklarda gerekli beceriler (dans, müzik ve ezberden okuma) konusunda eğitilmiş rahipler tarafından [kalıtsal bir süreçle] oynanırdı. Amacı hem eğitmek hem de eğlendirmekti.

Gerçekleştiren oynama Sugriva içinde Koodiyattam şeklinde Sanskritçe tiyatro

Kraliyet mahkemelerinin himayesi altında, sanatçılar , aynı zamanda oyunculuk yapmış olabilecek bir sahne yöneticisi ( sutradhara ) tarafından yönetilen profesyonel şirketlere aitti . Bu görev, bir benzeşim olarak düşünüldü kukla "nin anlamı -the değişmezi sutradhara " "dizeleri veya ipliklerin tutucu" dir. Sanatçılar, vokal ve fiziksel teknikte titizlikle eğitildi. Kadın sanatçılara yönelik herhangi bir yasak yoktu; şirketler tamamen erkek, tamamı kadın ve karışık cinsiyetten oluşuyordu. Bununla birlikte, bazı duyguların erkeklerin canlandırması için uygun olmadığı ve kadınlara daha uygun olduğu düşünülmüştür. Bazı oyuncular kendi yaşlarındaki karakterleri oynarken, diğerleri kendi yaşlarından farklı yaşlarda (daha genç veya daha büyük) oynadılar. Tiyatronun tüm unsurları arasında, İnceleme iki stilden oluşan oyunculuğa ( abhinaya ) en çok dikkat eder : gerçekçi ( lokadharmi ) ve geleneksel ( natyadharmi ), ancak asıl odak noktası ikincisidir.

Draması, Sanskritçe edebiyatının en yüksek başarısı olarak kabul edilir . Kahraman ( nayaka ), kadın kahraman ( nayika ) veya palyaço ( vidusaka ) gibi stok karakterlerini kullandı . Aktörler belirli bir türde uzmanlaşmış olabilir. Kalidasa'nın MÖ 1. yüzyılda, tartışmasız antik olarak kabul edilir Hindistan 'ın en büyük Sanskritçe oyun yazarı. Kālidāsa tarafından yazılan üç ünlü romantik oyun, Mālavikāgnimitram ( Mālavikā ve Agnimitra ), Vikramuurvashiiya ( Vikrama ve Urvashi ile ilgili ) ve Abhijñānaśākuntala'dır ( Shakuntala'nın Tanınması ). Sonuncusu Mahabharata'daki bir hikayeden esinlenmiştir ve en ünlüsüdür. İngilizce ve Almanca'ya çevrilen ilk kitaptı . Śakuntalā (İngilizce çeviride) Goethe'nin Faust'unu (1808-1832) etkiledi .

Bir sonraki büyük Hintli oyun yazarı Bhavabhuti'ydi (c. MS 7. yüzyıl). Şu üç oyunu yazdığı söyleniyor: Malati-Madhava , Mahaviracharita ve Uttar Ramacharita . Bu üçü arasında, son ikisi Ramayana destanının tamamını kapsar . Güçlü Hint imparatoru Harsha (606-648) üç oyun yazmış olmakla tanınır : komedi Ratnavali , Priyadarsika ve Budist drama Nagananda .

Çin tiyatrosu

Jade Dragon Snow Mountain Açık Hava Tiyatrosu'nda halka açık performans

Tang hanedanı bazen "1000 Eğlenceler Çağı" olarak bilinir. Bu dönemde, Ming Huang , öncelikle müzikal olan bir drama türü üretmek için The Pear Garden olarak bilinen bir oyunculuk okulu kurdu . Oyunculara genellikle "Armut Bahçesinin Çocukları" denmesinin nedeni budur. İmparatoriçe Ling hanedanlığı döneminde, gölge kuklası ilk olarak Çin'de tanınan bir tiyatro biçimi olarak ortaya çıktı. Gölge kuklacılığının iki farklı biçimi vardı: Pekingese (kuzey) ve Kanton (güney). İki stil, kuklalar tarafından gerçekleştirilen oyun türünün aksine , kuklaları yapma yöntemi ve çubukların kuklalar üzerindeki konumlandırılması ile ayırt edildi . Her iki tarz da genellikle büyük macera ve fantaziyi tasvir eden oyunlar oynadı, nadiren politik propaganda için kullanılan bu çok stilize tiyatro biçimiydi.

Kanton gölge kuklaları ikisinden daha büyüktü. Daha önemli gölgeler oluşturan kalın deri kullanılarak inşa edildiler. Sembolik renk de çok yaygındı; siyah bir yüz dürüstlüğü, kırmızı bir yüz ise cesareti temsil ediyordu. Kanton kuklalarını kontrol etmek için kullanılan çubuklar, kuklaların başlarına dik olarak bağlandı. Böylece gölge yaratıldığında seyirci tarafından görülmediler. Pekinez kuklaları daha narin ve daha küçüktü. İnce, yarı saydam deriden (genellikle eşeğin karnından alınır) yapılmıştır. Canlı boyalarla boyandıkları için çok renkli bir gölge oluşturdular. Hareketlerini kontrol eden ince çubuklar, kuklanın boynundaki deri bir tasmaya bağlanıyordu. Çubuklar, kuklanın gövdelerine paralel uzanıyor ve sonra boyuna bağlanmak için doksan derecelik bir açıyla dönüyordu. Bu çubuklar, gölge düştüğünde görünürken, kuklanın gölgesinin dışına çıkıyordu; böylece figürün görünümüne müdahale etmediler. Tek gövde ile birden fazla kafa kullanımını kolaylaştırmak için boyunlara takılan çubuklar. Başlıklar kullanılmadığı zamanlarda müslin defter veya kumaş astarlı kutuda saklanırdı. Kafalar her zaman geceleri çıkarılırdı. Bu, eski batıl inançla uyumluydu, eğer bozulmadan bırakılırsa kuklalar geceleri canlanacaktı. Bazı kuklacılar, kuklaları yeniden canlandırma olasılığını daha da azaltmak için kafaları bir kitapta ve cesetleri başka bir kitapta saklayacak kadar ileri gittiler. Gölge kuklacılığının, hükümetin bir aracı olmadan önce on birinci yüzyılda sanatsal gelişiminin en yüksek noktasına ulaştığı söylenir.

In Şarkı hanedanı , akrobasi ve müzik içeren birçok popüler oyunlar vardı. Bunlar, Yuan hanedanlığında , dört veya beş perdelik bir yapıya sahip , zaju olarak bilinen daha karmaşık bir forma dönüştü . Yuan draması Çin'e yayıldı ve en iyi bilinenlerinden biri bugün hala popüler olan Pekin Operası olan çok sayıda bölgesel biçime dönüştü .

Xiangsheng , monolog veya diyalog biçimindeki belirli bir geleneksel Çin komedi performansıdır.

Endonezya tiyatrosu

Prambanan tapınak kompleksi yakınında Wayang Wong performansında Rama ve Shinta

In Endonezya , tiyatro gösterileri, yerel kültürün önemli bir parçası haline gelmiş, Endonezya tiyatro binlerce yıldır geliştirilmiştir. Çoğu Endonezya'nın eski tiyatro formları yerel edebi gelenekler (yazılı ve sözlü) doğrudan bağlantılıdır. Belirgin kukla tiyatroları - wayang Golek (ahşap çubuk-kukla oynatma) arasında Sunda ve wayang kulit ait (deri gölge-kukla oynatma) Cava ve Bali -Beraberlik repertuarlarındaki çoğunun indigenized sürümlerinden Ramayana ve Mahabharata . Bu hikayeler ayrıca Java ve Bali'nin aktörleri kullanan wayang wong (insan tiyatrosu) için kaynak materyal sağlar . Bununla birlikte, bazı wayang golek performansları, menak adı verilen Müslüman hikayeleri de sunar . Wayang , ayrıntılı kuklası/insan ve karmaşık müzik tarzları ile tanınan eski bir hikaye anlatımı biçimidir. En erken kanıtlar, orta çağ metinlerinde ve arkeolojik alanlarda, MS 1. binyılın sonlarına aittir. Wayang ile ilgili bilinen en eski kayıt 9. yüzyıla aittir. MS 840 civarında , Orta Java'da Maharaja Sri Lokapalaform Medang Krallığı tarafından yayınlanan Jaha Yazıtları adlı Eski Cava (Kawi) yazıtları üç tür icracıdan bahseder: atapukan, aringgit ve abanol. Aringgit, Wayang kukla gösterisi, Atapukan, Maske dans gösterisi ve abanwal, şaka sanatı anlamına gelir. Ringgit, 11. yüzyıldan kalma bir Cava şiirinde deri gölge figürü olarak tanımlanır.

Batı'da klasik sonrası tiyatro

Tiyatro, Batı'da 15. ve 19. yüzyıllar arasında commedia dell'arte ve melodram da dahil olmak üzere birçok alternatif biçim aldı . Genel eğilim, Yunanlıların ve Rönesans'ın şiirsel dramasından uzaklaştı ve özellikle Sanayi Devrimi'nin ardından daha doğalcı bir düzyazı tarzı diyaloga doğruydu .

Theatre Royal, Drury Lane içinde West End . Mayıs 1663'te açılan Londra'nın en eski tiyatrosudur.

İngiltere'de tiyatro 1642 ve 1660 yıllarında Puritan Interregnum nedeniyle büyük bir duraklama aldı . Tiyatroyu günahkar bir şey olarak gören Püritenler , 1642'de Londra tiyatrolarının kapatılmasını emrettiler . Bu durgun dönem, II. Charles'ın 1660 yılında Restorasyon'da tahta çıkmasıyla sona erdi . Charles, saltanatından önceki yıllarda Fransa'da sürgün edildiğinden, Fransız kültürünün etkisiyle tiyatro (diğer sanatların yanı sıra) patladı.

1660'da, Duke's Company ve King's Company olmak üzere iki şirkete performans gösterme lisansı verildi . Performanslar, Lisle Tenis Kortu gibi dönüştürülmüş binalarda yapıldı . Londra, Covent Garden'da Theatre Royal olarak bilinen ilk West End tiyatrosu , Thomas Killigrew tarafından tasarlandı ve mevcut Theatre Royal, Drury Lane'in yerine inşa edildi .

Büyük değişikliklerden biri yeni tiyatro eviydi. Globe Theatre gibi Elizabeth dönemi tipinin , oyuncuların bir sonraki sahneye gerçekten hazırlanmaları için hiçbir yerin olmadığı ve "tiyatro görgülerinin" olmadığı yuvarlak yerine, tiyatro evi, önünde sahne ve karşısında stadyum oturma yeri. Koltuklar artık sahnenin her tarafında olmadığı için öncelik verildi - bazı koltuklar açıkça diğerlerinden daha iyiydi. Evdeki en iyi koltuğa kral sahip olurdu: Sahnenin en geniş manzarasına sahip olan tiyatronun tam ortasında ve sahnenin etrafına inşa edildiği bakış açısını ve kaçış noktasını görmenin en iyi yolu. Philippe Jacques de Loutherbourg , zemin alanı ve manzara kullanımı nedeniyle zamanın en etkili set tasarımcılarından biriydi.

Bu zamandan önceki kargaşa nedeniyle, sahneye neyin konması ve neyin konmaması gerektiği konusunda hala bazı tartışmalar vardı. Bir vaiz olan Jeremy Collier , İngiliz Sahnesinin Ahlaksızlığına ve Küfürlüğüne Kısa Bir Bakış adlı eseriyle bu hareketin başlarından biriydi . Bu makaledeki inançlar esas olarak tiyatroya gitmeyenler ve zamanın geri kalan Püritenleri ve çok dindarları tarafından tutuldu. Asıl soru, sahnede ahlaksız bir şey görmenin onu izleyenlerin yaşamlarındaki davranışları etkileyip etkilemediğiydi, bugün hala devam etmekte olan bir tartışma.

1829'da bir İngiliz tiyatrosunun faturalandırılması

On yedinci yüzyıl, daha önce uygunsuz kabul edilen kadınları da sahneye çıkarmıştı. Bu kadınlar ünlüler olarak kabul edildi (aynı zamanda Rönesans Hümanizminin ardından ortaya çıkan bireycilik üzerine fikirler sayesinde daha yeni bir kavram ), ancak öte yandan sahnede olmaları hala çok yeni ve devrimciydi ve bazıları şöyle dedi: hanımefendiye benzemiyorlardı ve onlara tepeden bakıyorlardı. II. Charles, genç erkeklerin genç kadın rollerini oynamasından hoşlanmadı, bu yüzden kadınların kendi rollerini oynamalarını istedi. Kadınların sahneye çıkmasına izin verildiğinden, oyun yazarlarının, kadınların erkek gibi giyinmesi ve komedi biçimleri olarak ahlaki açıdan yapışkan durumlardan kıl payı kaçışları gibi, olay örgüsü bükülmelerinde daha fazla serbestliği vardı.

Komediler gençlerle doluydu ve hikaye aşk hayatlarını takip ederek çok modaydı: genellikle, Sheridan'ın Skandal Okulu'ndaki gibi, oyunun sonuna doğru iffetli ve özgür fikirli kadın kahramana aşkını ilan eden genç bir serseri kahraman . Komedilerin çoğu, Fransız geleneğinden, özellikle Molière'den sonra, sürgünden sonra Kral ve Kraliyetler tarafından geri getirilen Fransız etkisine geri döndü. Molière , zamanın en iyi komedi oyun yazarlarından biriydi ve en uzun ömürlü ve en etkili hiciv komedilerinden bazılarını yaratmak için İtalyan commedia dell'arte ve neoklasik Fransız komedisini birleştirerek komedinin yazılma ve oynanma biçiminde devrim yarattı . Trajediler, siyasi iktidarı haklı çıkarma anlamında benzer şekilde muzafferdi, özellikle de son zamanlarda Kraliyet Restorasyonu nedeniyle dokunaklı. Fransızlar komedi ve trajedi arasında daha büyük bir ayrıma sahip olsalar da, İngilizler zaman zaman satırları karıştırdı ve trajedilerine bazı komedi kısımları koydular. Komedi olmayan oyunların yaygın biçimleri duygusal komedilerdi ve daha sonra trajedi burjuvazi ya da ev içi trajedi -yani ortak yaşamın trajedisi- olarak adlandırılacak olan bir şey İngiltere'de daha popülerdi çünkü daha çok İngiliz duyarlılıklarına hitap ediyorlardı.

Tiyatro toplulukları eskiden sık sık seyahat ederken, ulusal tiyatro fikri 18. yüzyılda Ludvig Holberg'den esinlenerek destek kazandı . Almanya'da ulusal tiyatro fikrinin ve aynı zamanda Sturm und Drang şairlerinin en büyük destekçisi , Hamburgische Entreprise ve Seyler Theatre Company'nin sahibi Abel Seyler'di .

Vanemuine Tiyatrosu'nun 1918'den Tartu , Estonya'daki "Küçük Evi" .

Sayesinde 19. yüzyılın , popüler tiyatro biçimleri Romantizm , melodram , Victoria burlesque ve iyi yapılmış oyunlar arasında Scribe ve Sardou yolunu açtı sorun oyunların arasında Doğacılık'ta ve Gerçekçilik ; farces arasında Feydeau ; Wagner'in operası Gesamtkunstwerk ; müzikal tiyatro ( Gilbert ve Sullivan'ın operaları dahil); FC Burnand'ın , WS Gilbert'in ve Oscar Wilde'ın misafir odası komedileri; Sembolizm ; August Strindberg ve Henrik Ibsen'in geç dönem eserlerinde proto- Ekspresyonizm ; ve Edward dönemi müzikal komedisi .

Bu eğilimler kadar devam 20. yüzyılın içinde gerçekçilik arasında Stanislavski ve Lee Strasberg , siyasi tiyatro Erwin Piscator ve Bertolt Brecht'in , sözde Absürd Tiyatro ve Samuel Beckett ve Eugène Ionesco'nun , Amerikan ve İngiliz müzikaller, kolektif kreasyonları gibi aktörler ve yönetmenlerin şirketleri Joan Littlewood 'ın Theatre Workshop , deneysel ve postmodern tiyatro ve Robert Wilson ve Robert Lepage , sömürgecilik sonrası tiyatro Ağustos Wilson veya Tomson Highway ve Augusto Boal ' in Ezilenlerin Tiyatrosu .

Doğu tiyatro gelenekleri

Rakshasa veya gösterildiği gibi iblis Yakshagana , müzikal bir çeşit dans - dram dan Hindistan

İlk biçimi Hint tiyatro oldu Sanskritçe tiyatro . Yunan ve Roma tiyatrosunun gelişmesinden sonra ve Asya'nın diğer bölgelerinde tiyatronun gelişmesinden önce başladı . MÖ 2. yüzyıl ile MS 1. yüzyıl arasında bir zamanda ortaya çıktı ve Hindistan tarihinde yüzlerce oyunun yazıldığı göreceli bir barış dönemi olan MS 1. yüzyıl ile 10. yüzyıl arasında gelişti . Kabuki , ve Kyōgen'in Japon formları , MS 17. yüzyılda gelişti. Tiyatro Ortaçağ İslam dünyası dahil kukla (el kuklaları dahil tiyatro gölge oyunlarını ve kukla yapımları) ve canlı tutku olarak bilinen oynar ta'ziya aktörler gelen bölüm-sahnelemek yeniden, Müslüman geçmişi . Özellikle, Şii İslami oyunlar , Ali'nin oğulları Hasan ibn Ali ve Hüseyin ibn Ali'nin şehidliği (şehitliği) etrafında dönüyordu . Kuklacılık ve ta'ziya tiyatrosundan daha az yaygın olmasına rağmen, ortaçağ edeb literatüründe kaydedilen laik oyunlar ahraja olarak biliniyordu .


Türler

Dram

Dram özeldir modu arasında kurgu temsil içinde performans . Terim , δράω, dráō , "yapmak" veya "harekete geçmek " fiilinden türetilen " eylem " anlamına gelen Yunanca bir kelimeden gelir . Tarafından gerçekleştirilen tiyatroda drama canlandırma, aktörler , bir ilgili aşama bir önceki kitle , varsayar ortak üretim modları ve bir toplu alım formu. Dramatik metinlerin yapısı , diğer formları aksine literatürde , doğrudan bu işbirlikçi üretim ve toplu alımı etkilenir. Erken Modern trajedi Hamlet tarafından (1601) Shakespeare ve klasik Atinalı trajedi Oedipus Rex (c. 429 BCE) Sophokles drama sanatının başyapıtları arasında yer almaktadır. Modern bir örnektir Gece içine Uzun Günün Yolculuğu tarafından Eugene O'Neill (1956).

Bir tür olarak kabul edilen şiir genel olarak dramatik mod ile tezat olan epik ve lirik beri modları Aristo 'in Poetika ait -the en erken çalışması (. C 335 BCE) dramatik teori . Dar anlamda "dram" kullanımı belirli atamak türü arasında oyun dan tarihleri 19. yüzyıl . Bu anlamda drama, ne komedi ne de trajedi olmayan bir oyuna atıfta bulunur - örneğin, Zola'nın Thérèse Raquin'i (1873) veya Çehov'un Ivanov'u (1887). Bununla birlikte, Antik Yunan'da drama kelimesi , tüm teatral oyunları, trajik, komik veya aradaki herhangi bir şeyi kapsıyordu.

Drama genellikle müzik ve dansla birleştirilir : operada drama genellikle baştan sona söylenir; müzikaller genellikle konuşulan ikisini de diyalog ve şarkıları ; ve bazı drama türlerinde diyaloğun altını çizen tesadüfi müzik veya müzikal eşlik vardır ( örneğin melodram ve Japonca No ). Tarihin belirli dönemlerinde (antik Roma ve modern Romantik ) bazı dramalar oynanmak yerine okunmak için yazılmıştır . In doğaçlama , drama performansı anı önceden mevcut değil; oyuncular seyircinin önünde kendiliğinden dramatik bir senaryo tasarlar.

Müzikal tiyatro

Müzik ve tiyatro antik çağlardan beri yakın bir ilişki içindedir - örneğin Atina trajedisi , bölümleri söylenen bir koroyu kullanan bir dans - drama biçimiydi (bir aulos - modern klarnet ile karşılaştırılabilir bir enstrüman) eşliğinde ), bazı oyuncuların tepkileri ve 'solo şarkıları' ( monodiler ) gibi. Modern müzikal tiyatro , müzik, sözlü diyalog ve dansı da birleştiren bir tiyatro biçimidir. Bu ortaya komik opera (özellikle Gilbert ve Sullivan ), çeşitli , vodvil ve müzikhol geç Türüne 19. ve erken 20. yüzyıl . 1890'larda başlayan Edward müzikal komedisinden sonra, 20. yüzyılın başlarındaki Princess Theatre müzikalleri ve 1920'ler ve 1930'lardaki komediler ( Rodgers ve Hammerstein'ın eserleri gibi ), Oklahoma ile! (1943), müzikaller daha dramatik bir yöne doğru ilerledi. Sonraki yıllarda ünlü müzikaller arasında My Fair Lady (1956), West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1980), Cats (1981), Into the Woods (1986) ve The Phantom of the Opera (1986), ayrıca Rent (1994), The Lion King (1997), Wicked (2003), Hamilton (2015) ve Frozen (2018) gibi daha çağdaş hitler .

Müzikal tiyatro samimi bir ölçekte Off-Broadway'de , bölgesel tiyatrolarda ve başka yerlerde üretilebilir , ancak genellikle gösteriyi içerir. Örneğin, Broadway ve West End müzikalleri genellikle milyonlarca dolarlık bütçelerle desteklenen lüks kostümler ve setler içerir.

Trajedi ve Komedi'nin teatral maskeleri. Mozaik, Roma sanatı , MS 2. yüzyıl. Capitoline Müzeleri , Roma

Komedi

Mizahı bir hikaye anlatmak için bir araç olarak kullanan tiyatro yapımları komedi olarak nitelendirilir. Bu modern içerebilir saçmalık gibi Boeing Boeing ya gibi klasik oyun As You Like It . Kasvetli, tartışmalı veya tabu bir konuyu kasıtlı olarak mizahi bir şekilde ifade eden tiyatroya kara komedi denir . Kara Komedi, şakşak mizah, kara ve alaycı komedi gibi çeşitli türlere sahip olabilir.

trajedi

O halde trajedi, ciddi, eksiksiz ve belirli bir büyüklükte bir eylemin taklididir: her tür sanatsal süslemeyle süslenmiş dilde, oyunun farklı bölümlerinde çeşitli türler bulunur; anlatı biçiminde değil, eylem biçiminde; acıma ve korku yoluyla bu duyguların uygun şekilde arınmasını sağlar.

Aristoteles'in "oyunun ayrı bölümlerinde çeşitli türler bulunması" sözü, dramanın yapısal kökenlerine bir göndermedir. İçinde konuşulan kısımlar Attika lehçesinde yazılırken koro (okunan veya söylenen) Dor lehçesinde yazılmıştır , bu farklılıklar yeni bir varlık olan teatral dramada kaynaştırılan bölümlerin farklı dini kökenlerini ve şiirsel ölçülerini yansıtmaktadır .

Trajedi belirli atıfta gelenek arasında dramı öz tanımı tarihsel olarak eşsiz ve önemli bir rol oynamıştır Batı uygarlığının . Bu gelenek çoklu ve süreksiz olmuştur, ancak bu terim genellikle kültürel kimliğin ve tarihsel sürekliliğin güçlü bir etkisini çağırmak için kullanılmıştır - " Yunanlılar ve Elizabethanlar , tek bir kültürel biçimde; Helenler ve Hıristiyanlar , ortak bir etkinlikte". Raymond Williams koyuyor. Aeschylus , Sophocles ve Euripides'in yapıtlarının yalnızca küçük bir bölümünün hayatta kaldığı 2500 yıl önce Atina tiyatrolarındaki belirsiz kökenlerinden , Shakespeare , Lope de Vega , Racine ve Schiller'in yapıtlarındaki tekil eklemlenmeleriyle , Strindberg'in daha yakın tarihli natüralist trajedisi , Beckett'in ölüm, kayıp ve ıstırap üzerine modernist meditasyonları ve Müller'in trajik kanonu postmodernist yeniden işlemesi, trajedi kültürel deneylerin, müzakerelerin, mücadelenin ve değişimin önemli bir alanı olarak kaldı. Aristoteles'in Poetika'sının (MÖ 335) ardından, trajedi , ister genel olarak şiir ölçeğinde (trajik olanın epik ve lirikten ayrıldığı yerde ) ya da drama ölçeğinde (trajedinin zıt olduğu yerde) tür ayrımları yapmak için kullanılmıştır. için komedi ). In Modern çağda, trajedi de drama, karşı tanımlanmıştır melodram , trajikomik ve epik tiyatro .

Doğaçlama

Doğaçlama, on altıncı yüzyılda Commedia dell'arte'nin ilk doğaçlama biçimi olarak kabul edilmesiyle, tiyatronun tutarlı bir özelliği olmuştur. Nobel Ödüllü Dario Fo ve Upright Citizens Brigade gibi topluluklar tarafından popüler hale getirilen doğaçlama tiyatrosu birçok farklı akım ve felsefeyle gelişmeye devam ediyor. Keith Johnstone ve Viola Spolin , modern zamanlarda doğaçlamanın ilk öğretmenleri olarak tanınırlar; Johnstone, doğaçlamayı senaryolu tiyatroya bir alternatif olarak keşfeder ve Spolin ve ardılları doğaçlamayı esas olarak dramatik çalışma veya beceriler geliştirmek için bir araç veya durumsal bir biçim olarak keşfederler. komedi. Spolin ayrıca doğaçlama öğrenme sürecinin insan potansiyelinin gelişimine nasıl uygulanabileceğiyle de ilgilenmeye başladı. Spolin'in oğlu Paul Sills , Chicago'daki The Second City adlı ilk yönetmeni kurduğunda doğaçlama tiyatroyu bir teatral sanat formu olarak popülerleştirdi .

teoriler

1600 dolaylarında tiyatro gösterisiyle köy şöleni

2500 yılı aşkın bir süredir insan kültürünün önemli bir parçası olan tiyatro, çok çeşitli teoriler ve uygulamalar geliştirmiştir. Bazıları siyasi veya manevi ideolojilerle ilgilidir, diğerleri ise tamamen "sanatsal" kaygılara dayanmaktadır. Bazı süreçler bir hikayeye, bazıları olay olarak tiyatroya ve bazıları da toplumsal değişimin katalizörü olarak tiyatroya odaklanır. Klasik Yunan filozofu Aristo , onun seminal tez de, Poetikası (c. 335 M.Ö.) en erken-örneklerdendir ve argümanları beri tiyatro kuramlarını etkiledi. İçinde "şiir" dediği şeyin (Yunancada kelimenin tam anlamıyla "yapmak" anlamına gelen ve bu bağlamda drama - komedi , trajedi ve satir oyununun yanı sıra lirik şiir , epik şiir , ve dithyramb ). "İlk ilkelerini" inceler ve türlerini ve temel öğelerini tanımlar ; onun trajedi analizi tartışmanın özünü oluşturur.

Aristoteles bu trajedi (önem sırasına göre) altı nitel bölümden oluşur savunuyor mythos veya "arsa", değerler sistemini veya "karakterini", dianoia veya "düşünce", Lexis veya "diksiyon", Melos veya "şarkı" ve Opsis veya "gösteri". Marvin Carlson , " Aristoteles'in Poetikası , Batı eleştirel geleneğinde evrensel olarak kabul edilse de ," diye açıklıyor, "onun ufuk açıcı çalışmasıyla ilgili hemen hemen her ayrıntı, farklı görüşler uyandırdı." Önemli tiyatro uygulayıcıları arasında 20. yüzyılın dahil Konstantin Stanislavski , Vsevolod Meyerhold , Jacques Copeau , Edward Gordon Craig , Bertolt Brecht , Antonin Artaud , Joan Littlewood , Peter Brook , Jerzy Grotowski , Augusto Boal , Eugenio Barba , Dario Fo , Viola Spolin , Keith Johnstone ve Robert Wilson (yönetmen) .

Stanislavski bir şekilde tiyatro tedavi sanat formu olduğunu özerk gelen literatüründe ve hangi birini oyun yazarı 'ın katkısı sadece bir reklam sanatçıların bir topluluk olduğu gibi saygı duyulmalıdır. Modern oyunculuk teorisine yaptığı yenilikçi katkı , geçen yüzyılın büyük bölümünde ana akım batı performans eğitiminin merkezinde yer aldı . Oyuncu yetiştirme sisteminin birçok kuralının sağduyu gibi görünmesi ve aşikar olması, sistemin hegemonik başarısını kanıtlıyor. Aktörler sıklıkla onun temel kavramlarını bilmeden kullanırlar. Stanislavski'nin 'sistemi', eski öğrencileri olan oyunculuk öğretmenleri tarafından tanıtılması ve detaylandırılması ve teorik yazılarının birçok çevirisi sayesinde, kültürel sınırları aşmak için eşi görülmemiş bir yetenek kazandı ve Avrupa ve Amerika Birleşik Devletleri'nde oyunculukla ilgili tartışmalara egemen olan uluslararası bir erişim geliştirdi. . Pek çok aktör rutin olarak onun "sistemini" Kuzey Amerika Metodu ile eşitler , ancak bu yöntemin yalnızca psikolojik teknikleri Stanislavski'nin hem "içten dışa" hem de "dışarıdan içeriye" ve "dışarıdan içeriye" karakteri ve eylemi araştıran çok değişkenli, bütüncül ve psikofiziksel yaklaşımıyla keskin bir tezat oluşturur. oyuncunun zihnini ve bedenini bir sürekliliğin parçaları olarak ele alır.

Teknik yönler

Viyana Devlet Operası'nın sahne arkasında bir tiyatro sahnesi binası

Tiyatro, işbirlikçi üretim tarzlarını ve kolektif bir alımlama biçimini varsayar . Dramatik metinlerin yapısı , diğer formları aksine literatürde , doğrudan bu işbirlikçi üretim ve toplu alımı etkilenir. Üretim oyunlarından genellikle katkıları içeren oyun yazarı , yönetmen , bir döküm ait aktörler ve teknik üretim ekibi bir içermektedir doğal veya set tasarımcısı , aydınlatma tasarımcısı , kostüm tasarımcısı , ses tasarımcısı , sahne yöneticisi , üretim yöneticisi ve teknik direktörü. Yapıma bağlı olarak bu ekipte besteci , dramaturg , video tasarımcısı veya dövüş yönetmeni de olabilir .

Açık hava dönen oditoryum Pyynikki Yaz Tiyatrosu'nda içinde Tampere , Finlandiya

Stagecraft, tiyatro, film ve video prodüksiyonunun teknik yönlerine atıfta bulunan genel bir terimdir. Sahne yapımı ve donatımı, ışıklandırmanın asılması ve odaklanması, kostüm tasarımı ve satın alınması, makyaj, sahne malzemelerinin satın alınması, sahne yönetimi ve ses kaydı ve miksajı dahildir, ancak bunlarla sınırlı değildir. Stagecraft, daha geniş kapsamlı senografi teriminden farklıdır. Sanatsal bir alandan ziyade teknik bir alan olarak düşünüldüğünde, öncelikle bir tasarımcının sanatsal vizyonunun pratik uygulamasıyla ilgilidir.

En temel biçiminde, sahne işi, tüm sahneyi, kostümleri, aydınlatmayı ve sesi ayarlayan ve oyuncu kadrosunu organize eden tek bir kişi (genellikle daha küçük bir prodüksiyonun sahne yöneticisi) tarafından yönetilir. Daha profesyonel düzeyde, örneğin modern Broadway evlerinde, sahne zanaatı yüzlerce yetenekli marangoz, ressam, elektrikçi, sahne ustası, dikiş ustası, peruk yapımcısı ve benzerleri tarafından yönetilir. Stagecraft'ın bu modern formu oldukça teknik ve uzmanlaşmıştır: birçok alt disiplini ve geniş bir tarih ve gelenek hazinesini içerir. Stagecraft'ın çoğunluğu bu iki uç nokta arasında yer alır. Bölgesel tiyatrolar ve daha büyük topluluk tiyatroları genellikle bir teknik direktöre ve her biri kendi tasarımlarında doğrudan eli olan tasarımcılardan oluşan bir tamamlayıcıya sahip olacaktır.

Alt kategoriler ve organizasyon

Çeşitli şekillerde tiyatro üretmeye çalışan birçok modern tiyatro akımı vardır. Tiyatro girişimleri, karmaşıklık ve amaç bakımından büyük farklılıklar gösterir. Dahil olan kişiler acemilerden ve hobilerden (topluluk tiyatrosunda) profesyonellere (Broadway ve benzeri yapımlarda) değişir. Tiyatro, son derece kısıtlı bir bütçeyle veya milyonlarca dolarlık bütçelerle büyük ölçekte gerçekleştirilebilir. Bu çeşitlilik, aşağıdakileri içeren tiyatro alt kategorilerinin bolluğunda kendini gösterir:

repertuar şirketleri

Modern tiyatro topluluklarının çoğu aynı anda bir tiyatro parçası prova ederken, o parçayı bir set "koşu" için icra ederken, parçayı emekliye ayırıp yeni bir gösterinin provasına başlarken, repertuar şirketleri aynı anda birden fazla gösteri prova eder. Bu şirketler, bu çeşitli parçaları istek üzerine icra edebilmekte ve çoğu zaman emekli olmadan önce yıllarca çalışmalar yapmaktadır. Çoğu dans şirketi bu repertuar sistemi üzerinde çalışır. Kraliyet Ulusal Tiyatrosu Londra'da bir repertuar sistemi üzerinde gerçekleştirir.

Repertuar tiyatrosu genellikle benzer şekilde başarılı bir grup oyuncuyu içerir ve bireysel bir yıldız oyuncudan çok grubun itibarına dayanır. Aynı zamanda, tipik olarak, bir yönetmenin sıkı kontrolüne daha az ve teatral geleneklere bağlılığa daha az dayanır, çünkü birden fazla yapımda birlikte çalışan aktörler, geleneklere veya dış yönlendirmeye çok fazla güvenmeden birbirlerine tepki verebilirler.

Üretmek ve sunmak

Teatro Colon'un iç kısmı, modern bir tiyatro

Bir tiyatroyu sahneye koymak için hem tiyatro topluluğu hem de tiyatro salonuna ihtiyaç vardır. Bir tiyatro topluluğu, bir tiyatro mekanında ikamet eden tek şirket olduğunda, bu tiyatroya (ve ona karşılık gelen tiyatro topluluğuna) yerleşik tiyatro veya yapım tiyatrosu denir, çünkü mekan kendi eserini üretir. Kendi tiyatro salonu olmayan diğer tiyatro toplulukları ve dans toplulukları, kiralık tiyatrolarda veya sunum yapan tiyatrolarda sahne alırlar. Hem kiralama hem de sunum yapan tiyatroların tam zamanlı yerleşik şirketleri yoktur. Bununla birlikte, bazen bir veya daha fazla yarı zamanlı yerleşik şirkete ve uygun olduğunda alanı kullanmayı ayarlayan diğer bağımsız ortak şirketlere sahiptirler. Bir kiralık tiyatro, bağımsız şirketlerin alanı aramasına izin verirken, sunum yapan bir tiyatro, bağımsız şirketleri sahnelerinde sunarak çalışmalarını desteklemek için arar.

Bazı performans grupları teatral olmayan mekanlarda sahne alır. Böyle performansları geleneksel olmayan bir performans uzayda yer dışında veya içini, almak ve içerebilir sokak tiyatrosu ve bölgeye özel tiyatro . Geleneksel olmayan mekanlar, izleyiciler için daha sürükleyici veya anlamlı ortamlar yaratmak için kullanılabilir. Bazen geleneksel tiyatro salonlarından daha yoğun şekilde değiştirilebilirler veya farklı türde ekipman, aydınlatma ve setleri barındırabilirler.

Bir tur şirketi , genellikle uluslararası seyahat eden ve her şehirde farklı bir tiyatroda sergilenen bağımsız bir tiyatro veya dans topluluğudur.

Birlikler

Aktörler Eşitliği Derneği (oyuncular ve sahne yöneticileri için), Sahne Yönetmenleri ve Koreograflar Derneği (SDC) ve Uluslararası Tiyatro Sahne Çalışanları İttifakı (tasarımcılar ve teknisyenler için IATSE ) dahil olmak üzere birçok tiyatro birliği vardır . Birçok tiyatro, çalışanlarının bu organizasyonlara üye olmasını şart koşar.

Ayrıca bakınız

Açıklayıcı notlar

alıntılar

Genel kaynaklar

daha fazla okuma

  • Aston, Elaine ve George Savona. 1991. İşaret Sistemi Olarak Tiyatro: Metin ve Performansın Göstergebilimi . Londra ve New York: Routledge. ISBN  978-0-415-04932-0 .
  • Benjamin, Walter . 1928. Alman Trajik Dramının Kökeni. Trans. John Osborne. Londra ve New York: Verso, 1998. ISBN  1-85984-899-0 .
  • Brown, John Russel. 1997. Tiyatro Nedir?: Bir Giriş ve Keşif. Boston ve Oxford: Odak P. ISBN  978-0-240-80232-9 .
  • Bryant, Jye (2018). Yeni Bir Müzikal Yazma ve Sahneleme: Bir El Kitabı. Kindle Doğrudan Yayıncılık. ISBN  9781730897412 .
  • Carnicke, Sharon Marie. 2000. "Stanislavsky'nin Sistemi: Oyuncunun Yolları". Hodge'da (2000, 11–36).
  • Dacre, Kathy ve Paul Fryer, der. 2008. Stanislavski Sahnede. Sidcup, Kent: Stanislavski Merkezi Rose Bruford Koleji. ISBN  1-903454-01-8 .
  • Deleuze, Gilles ve Félix Guattari . 1972. Anti-dipus . Trans. Robert Hurley, Mark Seem ve Helen R. Lane. Londra ve New York: Continuum, 2004. Cilt. 1. Yeni Vurgular Ser. Londra ve New York: Methuen. ISBN  0-416-72060-9 .
  • Felski, Rita, ed. 2008. Trajediyi Yeniden Düşünmek. Baltimore: Johns Hopkins YUKARI. ISBN  0-8018-8740-2 .
  • Harrison, Martin. 1998. Tiyatronun Dili . Londra: Routledge. ISBN  978-0878300877 .
  • Hartnoll, Phyllis , ed. 1983. Tiyatroya Oxford Arkadaşı . 4. baskı. Oxford: Oxford YUKARI. ISBN  978-0-19-211546-1 .
  • Hodge, Alison, ed. 2000. Yirminci Yüzyıl Oyuncu Eğitimi . Londra ve New York: Routledge. ISBN  978-0-415-19452-5 .
  • Leach, Robert (1989). Vsevolod Meyerhold'un fotoğrafı . Perspektif serisinde yönetmenler. Cambridge: Cambridge University Press. ISBN'si 978-0-521-31843-3.
  • Leach, Robert ve Victor Borovsky, der. 1999. Rus Tiyatrosunun Tarihi. Cambridge: Cambridge YUKARI. ISBN  978-0-521-03435-7 .
  • Meyer-Dinkgräfe, Daniel. 2001. Oyunculuk Yaklaşımları: Dünü ve Bugünü. Londra ve New York: Süreklilik. ISBN  978-0-8264-7879-5 .
  • Meyerhold, Vsevolod . 1991. Tiyatro üzerine Meyerhold . Ed. ve trans. Edward Braun. Gözden geçirilmiş baskı. Londra: Methuen. ISBN  978-0-413-38790-5 .
  • Mitter, Shomit. 1992. Prova Sistemleri: Stanislavsky, Brecht, Grotowski ve Brook. Londra ve NY: Routledge. ISBN  978-0-415-06784-3 .
  • O'Brien, Nick. 2010. Stanislavski Uygulamada . Londra: Routledge. ISBN  978-0-415-56843-2 .
  • Rayner, Alice. 1994. Rol Yapmak, Yapmak, Gerçekleştirmek: Drama ve Eylemin Fenomenolojisi. Tiyatro: Teori/Metin/Performans Ser. Ann Arbor: Michigan Üniversitesi Yayınları. ISBN  978-0-472-10537-3 .
  • Roach, Joseph R. 1985. Oyuncunun Tutkusu: Oyunculuk Biliminde Çalışmalar . Tiyatro:Teori/Metin/Performans Ser. Ann Arbor: Michigan P. U'su ISBN  978-0-472-08244-5 .
  • Speirs, Ronald, çev. 1999. Trajedinin Doğuşu ve Diğer Yazılar. By Friedrich Nietzsche . Ed. Raymond Geuss ve Ronald Speirs. Felsefe Tarihinde Cambridge Metinleri ser. Cambridge: Cambridge YUKARI. ISBN  0-521-63987-5 .

Dış bağlantılar