Sanat filmi - Art film

Carl Theodor Dreyer , 1965'te burada resmedildi, 1928 filmi The Passion of Joan of Arc'ı yönetti .

Bir sanat filmi (veya sanat evi filmi ) tipik olarak , kitlesel bir pazar izleyicisinden ziyade bir niş pazarı hedefleyen bağımsız bir filmdir . "Genellikle deneysel ve kitlesel çekicilik için tasarlanmamış ciddi, sanatsal bir çalışma olması amaçlanmıştır", "esas olarak ticari kârdan ziyade estetik nedenlerle yapılmıştır" ve "geleneksel olmayan veya oldukça sembolik içerik" içerir.

Film eleştirmenleri ve film çalışmaları akademisyenleri, tipik olarak bir sanat filmini, "onları ana akım Hollywood filmlerinden farklı kılan biçimsel niteliklere" sahip olarak tanımlarlar. Bu nitelikler (diğer unsurların yanı sıra) şunları içerebilir: bir sosyal gerçekçilik duygusu ; yönetmenin yazarlık ifadesine vurgu; ve net, amaca yönelik bir hikayenin ortaya çıkmasının aksine, karakterlerin düşüncelerine, hayallerine veya motivasyonlarına odaklanma. Film bilgini David Bordwell , sanat sinemasını " kendine özgü gelenekleri olan bir film türü " olarak tanımlar .

Sanat filmi yapımcıları genellikle filmlerini özel tiyatrolarda ( repertuar sinemaları veya ABD'de sanat sinemaları) ve film festivallerinde sunarlar . Sanat filmi terimi , auteur filmleri ve ulusal sinema (örneğin Alman ulusal sineması) terimlerinin kullanıldığı anakara Avrupa'ya kıyasla Kuzey Amerika, Birleşik Krallık ve Avustralya'da çok daha yaygın olarak kullanılmaktadır . Sanat filmleri, küçük, niş pazardaki izleyicileri hedefledikleri için, yaygın olarak piyasaya sürülen gişe rekorları kıran filmlerle ilişkili büyük prodüksiyon bütçelerine izin verecek finansal desteği nadiren elde ederler . Sanat filmi yönetmenleri bu kısıtlamaları, genellikle daha az bilinen film oyuncularını (hatta amatör oyuncuları) kullanan farklı bir film türü ve fikir geliştirmeye, yeni anlatı tekniklerini keşfetmeye çok daha fazla odaklanan filmler yapmak için mütevazı setler yaratarak telafi ederler. , ve yeni film yapım geleneklerine girişmek.

Bu tür filmler, genellikle daha çok doğrusal hikaye anlatımına ve ana akım eğlenceye yönelik olan ana akım gişe rekorları kıran filmlerle keskin bir tezat oluşturuyor. Film eleştirmeni Roger Ebert , eleştirmenler tarafından beğenilen 1994 tarihli bir sanat filmi olan Chungking Express'i , kişinin "film hakkında bildiklerinizden dolayı" keyif aldığı "büyük ölçüde beyinsel bir deneyim" olarak nitelendirdi. Bununla birlikte, bazı sanat filmleri, belgesel veya biyografi gibi daha tanıdık türlerin belirli öğelerini sunarak çekiciliğini genişletebilir . Sanat filmleri tanıtım için film eleştirmenlerinin incelemelerinden elde edilen tanıtıma güvenir; sanat köşe yazarları, yorumcular ve blog yazarları tarafından filmin tartışılması; ve izleyici üyeleri tarafından ağızdan ağza tanıtım. Sanat filmlerinin ilk yatırım maliyetleri düşük olduğundan, finansal açıdan uygun hale gelebilmek için yalnızca ana akım izleyicilerin küçük bir kısmına hitap etmeleri yeterlidir .

Tarih

Öncüller: 1910–1920'ler

L'Inferno ve Hoşgörüsüzlük için teatral afişler , genellikle sinema tarihçileri tarafından ilk sanat filmleri olarak kabul edilir.

Sanat filmleri öncüsü İtalyan sessiz film dahil L'Inferno (1911), DW Griffith 'in Hoşgörüsüzlük (1916) ve Rus film yapımcısı eserlerini Sergei Eisenstein yıllardır Avrupa sineması hareketlerinin gelişimini etkilemiştir. Eisenstein'ın filmi Potemkin Zırhlısı (1925), izleyiciden en büyük duygusal tepkiyi üretmek için film kurgusunu kullanma teorilerini test etmek için kullandığı devrimci bir propaganda filmiydi. Eisenstein bu filmden topladı uluslararası kritik ün yönlendirmek sağladı Ekim grand 10. yıl dönümü kutlamaları kapsamında Ekim Devrimi'nden Daha sonra yönlendirilmiş 1917 Genel Hattı 1929 yılında.

Sanat filmleri ayrıca , Luis Buñuel ve Salvador Dalí ( 1930'da L'Age d' Or'u yapan) gibi İspanyol avangard yaratıcıların ve 1930'larda avangard filmi olan Fransız oyun yazarı ve film yapımcısı Jean Cocteau'nun filmlerinden etkilendi. Bir Şairin Kanı, bir insan kafasının dönen tel modelleri ve dönen çift taraflı maskeler de dahil olmak üzere baştan sona tekil görüntüler kullanır . 1920'lerde film toplulukları, filmlerin "kitlesel bir izleyici kitlesine yönelik eğlence sineması ve entelektüel bir izleyici kitlesine yönelik ciddi bir sanat sineması" olarak ikiye ayrılabileceği fikrini savunmaya başladılar. İngiltere'de Alfred Hitchcock ve Ivor Montagu bir film topluluğu kurdular ve "diyalektik montajın Sovyet filmleri ve Almanya'daki Universum Film AG (UFA) stüdyolarının dışavurumcu filmleri" gibi "sanatsal başarılar" olduğunu düşündükleri filmleri ithal ettiler.

1920'lerde ve 1930'larda bir Fransız avangard film hareketi olan Cinéma pur , sanat filmi fikrinin gelişimini de etkiledi. Sinema pur filmi hareketi birkaç önemli dahil Dada sanatçıları. Dadaistler filmi, esnek bir zaman ve mekan montajı yaratarak anlatısal hikaye anlatımı geleneklerini, burjuva geleneklerini ve geleneksel Aristotelesçi zaman ve mekan kavramlarını aşmak için kullandılar.

ABD'li fotoğrafçı ve film yapımcısı Man Ray (burada 1934'te resmedilmiştir), sanat filminin gelişimini etkileyen Dadaist "cinéma pur" film hareketinin bir parçasıydı .

Sinema pur hareketi gibi Alman "mutlak" film yapımcıları tarafından etkilenmiştir Hans Richter , Walter Ruttmann'ın ve Viking Eggeling . Richter, 1921 tarihli Rhythmus 21 filminin şimdiye kadar yaratılmış ilk soyut film olduğunu yanlış bir şekilde iddia etti . Aslında ondan önce, 1911 ve 1912 yılları arasında İtalyan Fütüristler Bruno Corra ve Arnaldo Ginna ( Fütürist Sinema Manifestosu'nda bildirildiği gibi ) ve 1920'de Lichtspiel Opus 1'i yapan Alman sanatçı Walter Ruttmann vardı. Richter'in Rhythmus 21 filmi , önemli bir erken soyut film olarak kabul edilir.

İlk İngiliz "sanat sineması", 1929'da Elsie Cohen tarafından Londra'daki Palais de Luxe'de geçici olarak açıldı . 1931'de Oxford Street'teki Academy Cinema'da kalıcı bir yer kurmaya devam etti.

1930'lar – 1950'ler

1930 ve 1940 yılında Hollywood filmleri gibi edebi uyarlamalar sanatsal arzularına bölünebilir John Ford'un 'ın Informer (1935) ve Eugene O'Neill'in s' Uzun Yolculuk Ev (1940) ve "popüler para verme gangster gerilim filmleri gibi "tür filmleri". William Siska , Açık Şehir (1945), Paisa (1946) ve Bisiklet Hırsızları gibi 1940'ların ortalarından sonlarına kadar olan İtalyan Yeni - Gerçekçi filmlerinin başka bir "bilinçli sanat filmi hareketi" olarak kabul edilebileceğini savunuyor.

1940'ların sonlarında, ABD halkının İtalyan Yeni-Gerçekçi filmlerinin ve diğer ciddi Avrupa filmlerinin ana akım Hollywood filmlerinden farklı olduğu algısı, büyük ABD şehirlerinde ve kolej kasabalarında "sanat sinemaları"nın gelişmesiyle pekiştirildi. İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra, "...Amerikan sinemasının büyüyen bir kesimi ana akım Hollywood filmlerinden bıktı" ve "ana caddede oynayan filmlere alternatifler" görmek için yeni oluşturulan sanat filmi salonlarına gittiler. sinema sarayları". Bu sanat sinemalarında gösterilen filmler arasında "İngiliz, yabancı dilde ve bağımsız Amerikan filmleri ile Hollywood klasiklerinin belgeselleri ve canlanmaları" yer alıyordu. Rossellini'nin Açık Şehri ve Mackendrick'in Dar Küçük Adası ( Whiskey Galore! ), Bisiklet Hırsızları ve Kırmızı Ayakkabılar gibi filmler önemli ABD'li izleyicilere gösterildi.

1950'lerin sonlarında, Fransız film yapımcıları , eleştirmenlerin Fransız Yeni Dalgası olarak adlandırdığı bir tarz olan İtalyan Yeni Gerçekçiliği ve klasik Hollywood sinemasından etkilenen filmler üretmeye başladılar . Hiçbir zaman resmi olarak örgütlenmiş bir hareket olmasa da, Yeni Dalga film yapımcıları, klasik sinema biçimini bilinçli bir şekilde reddetmeleri ve genç ikonoklazm ruhları ile bağlantılıydı ve filmleri Avrupa sanat sinemasının bir örneğidir . Pek çoğu, çalışmalarını dönemin sosyal ve politik çalkantılarıyla da meşgul ederek, kurgu, görsel stil ve anlatı ile ilgili radikal deneylerini muhafazakar paradigmadan genel bir kopuşun parçası haline getirdi. François Truffaut , Jean-Luc Godard , Éric Rohmer , Claude Chabrol ve Jacques Rivette gibi grubun önde gelen öncülerinden bazıları , film dergisi Cahiers du cinéma için eleştirmenler olarak başladı . Auteur teorisi, yönetmenin filmlerinin "yazar" olduğunu ve filmden filme kişisel bir imzanın göründüğüne inanır.

1960'lar – 1970'ler

İsveç filmi I Am Curious (Sarı) filminden aktris Lena Nyman

Fransız Yeni Dalga hareketi 1960'lara kadar devam etti. 1960'larda "sanat filmi" terimi Amerika Birleşik Devletleri'nde Avrupa'dan çok daha yaygın olarak kullanılmaya başlandı. ABD'de bu terim genellikle yabancı dilde (İngilizce olmayan) "auteur" filmleri, bağımsız filmleri , deneysel filmleri , belgeselleri ve kısa filmleri kapsayacak şekilde çok geniş bir şekilde tanımlanır . 1960'larda, "sanat filmi" ABD'de müstehcen İtalyan ve Fransız B-filmleri için bir örtmece haline geldi . 1970'lerde bu terim, İsveç filmi I Am Curious (Sarı) gibi sanatsal yapıya sahip cinsel içerikli Avrupa filmlerini tanımlamak için kullanıldı . ABD'de "sanat filmi" terimi , 1969 tarihli Blue Movie filmiyle Andy Warhol da dahil olmak üzere modern Amerikalı sanatçıların filmlerine atıfta bulunabilir , ancak bazen repertuar tiyatrolarında veya "sanat" filmlerinde gösterilen geniş film yelpazesine atıfta bulunmak için çok gevşek bir şekilde kullanılır. ev sinemaları". Bu yaklaşımla, 1960'ların Hitchcock filmi, 1970'lerin deneysel yeraltı filmi, Avrupa auteur filmi, ABD "bağımsız" filmi ve hatta ana akım yabancı dilde (altyazılı) bir film gibi geniş bir film yelpazesi düşebilir. "sanat evi filmleri" başlığı altında.

1980'ler-2000'ler

1980'lerde ve 1990'larda, "sanat filmi" terimi, aynı stilistik özelliklerin çoğunu paylaşan ABD'de "bağımsız film" ile birleştirildi. Miramax Films gibi şirketler , ticari olarak uygun görülen bağımsız filmler dağıttı . Büyük sinema filmi stüdyoları bağımsız filmlerin niş itiraz kaydetti, onlar gibi olmayan ana akım ücret adanmış özel bölünmeler yarattı Fox Searchlight Pictures bölünmesi Twentieth Century Fox , Focus Features bölünmesini Universal , Sony Pictures Classics bölünmesi Sony Pictures Entertainment ve Paramount Vantage bölünmesi Paramount . Film eleştirmenleri, büyük stüdyolardan mali desteğe sahip oldukları göz önüne alındığında, bu bölümlerden gelen filmlerin "bağımsız filmler" olarak kabul edilip edilemeyeceğini tartıştılar.

2007 yılında Profesör Camille Paglia onu makale savundu "Sanat filmleri: RIP" dan "[a] yan o Francis Ford Coppola 'nın Godfather onun usta flashback ve cesur sosyal gerçekçilik ile dizi, ... [yok] .. . muhtemelen eşit felsefi ağırlık veya yürütmenin ustalık ait son 35 yıl içinde, üretilen tek bir film Bergman sitesindeki Yedinci Seal veya Persona'ya ". Paglia, 2000'li yılların gençlerinin "bir zamanlar uzmanlaşan Avrupalı ​​yönetmenlerin uzun ve ağır ağır çekimleri için sabrının olmadığını", "en küçük yüz ifadelerinin lüks bir incelemesini ya da steril bir odanın soğuk süpürmesini sağlayan bir yaklaşım" olduğunu belirtiyor. veya kasvetli manzara".

Yönetmen, yapımcı ve dağıtımcı Roger Corman'a göre, "1950'ler ve 1960'lar, sanat filmlerinin en büyük etkisinin olduğu dönemdi. Ondan sonra, etki azaldı. Hollywood, Avrupa filmlerinin derslerini özümsedi ve bu dersleri filmlerine dahil etti." Corman, "izleyiciler, yetmişlerin Hollywood filmlerinde Avrupa sanat sinemasının özünden bir şeyler görebildiler... - geniş bir tanınma elde etmek için mücadele eden biri olsa da". Corman, "Hollywood'un kendisi estetik yelpazesini radikal bir şekilde genişletti... video dükkanında sanat filmlerini öğrenen yeni bir izleyici kitlesi var." Corman, Amerikan sanat filminin "şu anda yeniden doğuş olasılığı olduğunu" belirtiyor.

Ana film normlarından sapmalar

Film bilgini David Bordwell, sanat filmlerini klasik Hollywood sinemasının ana akım filmleriyle karşılaştıran "Film Pratiğinin Bir Modu Olarak Sanat Sineması" başlıklı 1979 tarihli bir makalesinde "sanat filmi"nin akademik tanımını özetledi. Ana akım Hollywood tarzı filmler, filmi "uzayda ve zamanda meydana gelen nedensel olarak ilişkili olaylar" dizisi halinde düzenlemek için net bir anlatı biçimi kullanır ve her sahne bir hedefe doğru ilerler. Ana akım filmlerin olay örgüsü, iyi tanımlanmış bir ana karakter tarafından yönlendirilir, net karakterlerle süslenir ve "soru-cevap mantığı, problem çözme rutinleri ve [ve] son ​​olay örgüsü yapıları" ile güçlendirilmiştir. Film daha sonra hızlı tempolu, uygun izleyici duygularına işaret eden müzikal bir film müziği ve sıkı, kusursuz düzenleme ile birbirine bağlanır.

Buna karşılık Bordwell, "sanat sinemasının anlatısını iki ilkeyle motive ettiğini: gerçekçilik ve yazarın ifade gücü" olduğunu belirtir . Sanat filmleri, tipik olarak "neden-sonuç zincirinin gevşemesi" ile daha epizodik anlatı yapılarıyla uğraştıkları için, film yapımının ana akım "klasik" normlarından saparlar.

Ana akım filmler ayrıca ahlaki ikilemler veya kimlik krizleriyle de ilgilenir, ancak bu sorunlar genellikle filmin sonunda çözülür. Sanat filmlerinde, ikilemler dalgın bir şekilde araştırılır ve araştırılır, ancak genellikle filmin sonunda net bir çözüm bulunmaz.

Bir sanat filmindeki hikaye, genellikle karakter gelişimi ve uzun diyalog dizileri yoluyla fikirlerin keşfedilmesi için ikincil bir role sahiptir. Bir sanat filminin bir hikayesi varsa, genellikle belirsiz bir şekilde tanımlanmış veya belirsiz bölümlerin sürüklenen bir dizisidir. Filmde açıklanamayan boşluklar, kasıtlı olarak net olmayan sekanslar veya önceki sahnelerle ilgisi olmayan gereksiz sekanslar olabilir, bu da izleyiciyi filmin mesajını öznel olarak kendi yorumunu yapmaya zorlar. Sanat filmleri genellikle "ayırt edici bir görsel stilin izlerini taşır" ve yönetmenin yazarcı yaklaşımı. Bir sanat sineması filmi genellikle "kolay cevaplanmış bir sonuç" sunmayı reddeder, bunun yerine sinema izleyicisine "hikaye nasıl anlatılıyor? Hikaye neden bu şekilde anlatılır?" sorusunu düşünme görevini verir.

Bordwell, "sanat sinemasının kendisinin, kendine özgü gelenekleri olan bir [film] türü" olduğunu iddia eder. Film kuramcısı Robert Stam da "sanat filmi"nin bir film türü olduğunu savunuyor. Bir filmin, film türlerinin bütçeleri ( gişe rekorları kıran filmler veya B-filmleri ) veya yıldız oyuncuları ( Adam Sandler filmleri) gibi filmlerin yönlerine dayanabileceği gibi, sanatsal statüye dayalı bir sanat filmi olarak kabul edildiğini iddia ediyor. .

Sanat filmi ve film eleştirisi

Hollywood'da üretilenler gibi kitlesel pazar filmlerinin daha az seçici bir izleyici kitlesine hitap ettiğini belirten akademisyenler var. Bu grup daha sonra onları daha düşünceli ve daha kaliteli filmlere yönlendirmeye yardımcı olabilecek kültürel seçkinler olarak film eleştirmenlerine yönelir. Popüler beğeni ve yüksek kültür arasındaki kopukluğu gidermek için, bu film eleştirmenlerinin alışılmadık kavramları açıklamaları ve daha seçici bir sinema seyircisi yetiştirmek için onları çekici hale getirmeleri bekleniyor. Örneğin, bir film eleştirmeni, bu sanat filmlerinin analiz şartlarını sağlayarak, incelemeleri aracılığıyla izleyicinin filmler hakkında ciddi bir şekilde düşünmesine yardımcı olabilir. Sanatsal bir film analizi ve inceleme çerçevesi benimseyen bu film eleştirmenleri, izleyicilere izlediklerini takdir etmeleri için farklı bir yol sunar. Bu nedenle, tartışmalı temalar araştırıldığında, eleştirmenler tarafından, gerçekçiliği nasıl tasvir ettiği gibi, filmin değeri hakkında bilgilendirildikleri yerde halk, filmi hemen reddetmeyecek veya saldırmayacaktır. Burada sanat filmleri sergileyen sanat tiyatroları veya sanat evleri, hem eleştirmenleri hem de entelektüel izleyicileri kendine çeken “kültürel aydınlanma alanları” olarak görülüyor. Bu eleştirmenlerin kültürü deneyimleyebilecekleri bir yer ve içgörü ve malzeme çıkarabilecekleri sanatsal bir atmosfer olarak hizmet eder.

önemli filmlerin Zaman Çizelgesi

Aşağıdaki liste, hangi yönetmenlerin ve filmlerin "sanat filmi" özelliklerine sahip olduğu konusunda genel bir fikir vermek için derlenmiş, "sanat filmi" niteliklerine sahip küçük, kısmi bir film örneğidir. Bu listedeki filmler, sanat filmlerinin özelliklerinden bir veya daha fazlasını gösterir: ciddi, ticari olmayan veya bağımsız olarak yapılmış, kitlesel bir izleyici kitlesine yönelik olmayan bir film. Bu listedeki filmlerden bazıları aynı zamanda "auteur" filmler, bağımsız filmler veya deneysel filmler olarak kabul edilir . Bazı durumlarda, eleştirmenler bir filmin ana akım olup olmadığı konusunda anlaşamazlar. Bazı eleştirmenler denilen Örneğin, Gus Van Sant 's My Own Private Idaho (1991) 'yüksek sanatsal kaliteye' bir 'filmi deney içinde egzersiz', The Washington Post iddialı ana filmi denir. Bu listedeki bazı filmler bu özelliklerin çoğuna sahiptir; diğer filmler, ana akım stüdyolar tarafından üretilen, yine de bir yönetmenin "auteur" tarzının ayırt edici özelliklerini taşıyan veya deneysel bir karaktere sahip olan ticari olarak yapılmış filmlerdir. Bu listedeki filmler, ya büyük ödüller kazanmaları ya da etkili film eleştirmenlerinden eleştirel övgüler almaları ya da yenilikçi bir anlatı ya da film yapım tekniği sunmaları nedeniyle dikkate değerdir.

1920'ler – 1940'lar

1920'lerde ve 1930'larda film yapımcıları "sanat filmleri" yapmak için yola çıkmadılar ve film eleştirmenleri "sanat filmi" terimini kullanmadılar. Ancak, orada gibi sofistike estetik amaçlara vardı filmler vardı Carl Theodor Dreyer 's Joan of Arc Passion (1928) ve VAMPYR (1932), bu tür Luis Buñuel'in olarak sürrealist filmlerin Endülüs Köpeği (1929) ve L'Age d' 'Veya (1930), hatta Sergei Eisenstein'ın ünlü ve etkili başyapıtı Potemkin Zırhlısı gibi siyasi ve güncel olaylarla ilgili olan filmler . Alman Dışavurumcu yönetmen FW Murnau'nun ABD filmi Gündoğumu: İki İnsanın Şarkısı (1927) , sembolizm ve imgelerle zengin, abartılı, peri masalı benzeri bir dünya yaratmak için çarpık sanat tasarımı ve çığır açan sinematografi kullanıyor. Jean Renoir 'ın filmi Oyunun Kuralları (1939) bir olan görgü komedi İkinci Dünya Savaşı öncesi yıllarda Fransız üst sınıf bir toplum ısırma ve trajik hiciv oluşturarak kendi türünün kurallarını aşar; Sight & Sound tarafından yapılan bir eleştirmen anketi, filmi Vertigo , Citizen Kane ve Tokyo Story'nin arkasında yer alarak gelmiş geçmiş en iyi dördüncü film olarak sıraladı .

Dreyer'in Joan of Arc'ın Tutkusu filminin afişi

Bu erken dönem, sanatsal yönelimli filmlerin bazıları, özellikle de filmin içeriğinin tartışmalı olduğu veya izleyici çekme olasılığının düşük olduğu durumlarda, film şirketleri yerine varlıklı kişiler tarafından finanse edildi. 1940'ların sonlarında, İngiliz yönetmen Michael Powell ve Emeric Pressburger , dönemin ana akım filmlerinden öne çıkan bale hakkında bir film olan The Red Shoes'u (1948) yaptılar . 1945 yılında, David Lean yönettiği Kısa karşılaşma , bir uyarlamasını Noel Coward 'ın oyun Natürmort Britanya anda karşı karşıya olduğu bir üst-sınıf insan ve sosyal ve ekonomik sorunların ortasında orta sınıf kadın arasında tutkulu bir aşk ilişkisi gözlemler, .

1950'ler

1950'lerde, sanatsal duyarlılıkları olan tanınmış filmlerden bazıları, ailesini geçindirmek için zalim ve insanlık dışı bir sirk oyuncusu için çalışmaya zorlanan genç bir kadın hakkında bir film olan La Strada'yı (1954) içerir . onun durumuna göre; Carl Theodor Dreyer'in inanç eksikliği olan, ancak kendisinin İsa Mesih olduğuna ve mucizeler yaratabileceğine inanan bir oğlu olan bir aileye odaklanan Ordet (1955) ; Federico Fellini 'nin Cabiria ait Nights (1957), aşk, onun acı ve reddini bulmak için bir fahişe'nın başarısız girişimleri ile hangi fırsatlar; Anlatımı aynı zamanda profesör olan yaşlı bir tıp doktorunu konu alan ve kabusları yüzünden hayatını yeniden değerlendirmeye iten Ingmar Bergman'ın Yaban Çilekleri (1957); ve ana karakteri, ebeveynlerinin, öğretmenlerinin ve toplumun istismarına rağmen reşit olmaya çalışan genç bir adam olan François Truffaut'un The 400 Blows (1959) filmi, Fransız Yeni Dalgası ve sinemasının ilk büyük adımı olduğunu gösteriyor. Filmlerin az parayla, amatör oyuncuyla, çalışma ekibindeki birkaç kişiyle kazanılabileceği. Polonya'da Kruşçev'in Çözülmesi rejimin kültür politikalarında bir miktar gevşemeye izin verdi ve tümü Andrzej Wajda'nın yönettiği A Generation , Kanal , Ashes and Diamonds , Lotna (1954–1959) gibi yapımlar Polonya Film Okulu tarzını gösterdi .

Asya

In Hindistan , bir sanat film hareketi vardı Bengalce sinema "olarak bilinen Paralel Sinema " ya da "Hint Yeni Dalga". Bu, ciddi içeriği, gerçekçiliği ve natüralizmi ile bilinen ana akım ticari sinemaya , dönemin sosyal-politik iklimine keskin bir bakışla bir alternatifti . Bu hareket, ana akım Bollywood sinemasından farklıdır ve Fransız ve Japon Yeni Dalgası ile aynı zamanlarda başlamıştır . Bu harekete dahil olan en etkili film yapımcıları Satyajit Ray , Mrinal Sen ve Ritwik Ghatak'tı . Dönemde yapılan en uluslararası üne filmlerden bazıları şöyleydi Apu Üçlemesi (1955-1959), yetişkinliğe yoksul bir ülke çocuğun büyüme hikayesini anlatmak filmlerin bir üçlü ve Satyajit Ray 'in Uzak Thunder (1973), hangi Bengal'de bir kıtlık sırasında bir çiftçinin hikayesini anlatıyor . Bu harekete katılan diğer beğenilen Bengalli film yapımcıları arasında Rituparno Ghosh , Aparna Sen ve Goutam Ghose yer alıyor .

Japon film yapımcıları geleneklere uymayan bir dizi film ürettiler. Akira Kurosawa 'nın Rashomon bir tecavüz ve cinayet çelişkili hesapları (1950), ilk Japon filmi yaygın Batı'da elenecek, dört tanıkların göstermektedir'. 1952'de Kurosawa , hayatına bir anlam bulmaya çalışan bir Tokyo bürokratı hakkında bir film olan Ikiru'yu yönetti . Yasujirō Ozu tarafından yazılan Tokyo Hikayesi (1953), yetişkin çocuklarını ziyaret etmek için Tokyo'ya giden, ancak çocukların onlarla fazla zaman geçiremeyecek kadar bencil olduğunu bulan yaşlanan bir çiftin hikayesini anlatarak çağın sosyal değişimlerini araştırıyor. Kurosawa tarafından yazılan Yedi Samuray (1954), haydutlarla savaşmak için yedi ustasız samuray tutan bir çiftçi köyünün hikayesini anlatıyor. Fires on the Plain (1959), Kon Ichikawa tarafından , hayatta kalmak için mücadele eden hasta bir Japon askerini betimleyerek Japonların II. Kenji Mizoguchi'nin Ugetsu (1953), köyleri ilerleyen bir ordunun yolunda olan köylülerin hikayesini anlatan, 16. yüzyılın sonlarında geçen bir hayalet hikayesidir. Bir yıl sonra Mizoguchi , köle olarak satılan iki aristokrat çocuğun hikayesini anlatan Sansho the Bailiff'i (1954) yönetti ; özgürlüğün kaybı gibi ciddi temaları ele almanın yanı sıra filmde güzel görüntüler ve uzun, karmaşık çekimler yer alıyor.

1960'lar

1960'lar sanat sinemasında önemli bir dönemdi ve Avrupa sanat sinemasını doğuran bir dizi çığır açan filmin gösterime girmesiyle birlikte. Jean-Luc Godard'ın À bout de suuffle ( Breathless ) (1960), atlamalı kesmeler ve elde tutulan kamera çalışması gibi yenilikçi görsel ve kurgu teknikleri kullandı . Fransız Yeni Dalgası'nın önde gelen isimlerinden Godard, on yıl boyunca yepyeni bir film yapım tarzı önererek yenilikçi filmler yapmaya devam edecekti. Başarısının ardından Aşıklar'dan , Godard iki tane daha çok etkili filmler, yapılan Küçümseme filmin içinde stüdyo film yapım sisteminin, güzel uzun take ve filmdeki görünümü, hangi 1963 yılında, ve Pierrot'da fou o mayşesinin olduğu 1965 yılında hollywood karşıtı tarzıyla suç ve romantik filmlerin karışımı. François Truffaut'un yazdığı Jules et Jim , yenilikçi senaryo yazımı, kurgu ve kamera teknikleriyle üç kişinin karmaşık ilişkisini bozdu. İtalyan yönetmen Michelangelo Antonioni , L'Avventura (1960) gibi filmlerle film yapımında devrim yarattı . La Notte (1961), anomi ve kısırlık gibi konuları ele alan, başarısız bir evliliğin karmaşık bir incelemesi ; Eclipse (1962), erkek arkadaşıyla materyalist doğası nedeniyle sağlam bir ilişki kuramayan genç bir kadın hakkında; modern dünyaya uyum sağlama ihtiyacını konu alan ilk renkli filmi Red Desert (1964); ve genç bir fotoğrafçının bir cinayeti fotoğraflayıp fotoğraflamadığını keşfetme girişimini takip eden algı ve gerçeklik konularını inceleyen ilk İngilizce filmi Blowup (1966).

İsveçli yönetmen Ingmar Bergman 1960'lara Winter Light (1963) ve The Silence (1963) gibi duygusal izolasyon ve iletişim eksikliği gibi temaları işleyen oda parçalarıyla başladı . On yılın ikinci yarısından itibaren Persona (1966), Shame (1968) ve A Passion (1969) gibi filmleri, film fikrini bir oyun olarak ele alır. Tadeusz Konwicki'nin All Souls' Day ( Zaduszki , 1961) ve Salto (1962) gibi entelektüel ve görsel olarak dışavurumcu filmleri, savaş hakkında tartışmalara ilham verdi ve onların sıradan kahramanları adına varoluşsal soruları gündeme getirdi.

İtalyan yönetmen Federico Fellini

Federico Fellini'nin La Dolce Vita (1960), alaycı bir gazetecinin tanık olduğu Roma'da art arda gece ve şafakları tasvir ediyor, bu film onun önceki İtalyan Yeni-Gerçekçi tarzı ile sonraki sürrealist tarzı arasında bir köprü oluşturuyor . 1963 yılında Fellini yapılan yönetmeni tarafından siyah-beyaz filme, yaratıcı, medeni ve manevi zorluklar bir keşif Gianni di Venanzo . Yönetmen Alain Resnais'in 1961 yapımı Geçen Yıl Marienbad'da filmi , geniş çapta etkili hale gelen büyük izleme çekimlerini kullanarak algıyı ve gerçekliği inceliyor. Robert Bresson 'ın Rastgele Balthazar (1966) ve Mouchette (1967) kendi doğal, eliptik tarzı açısından kayda değerdir. İspanyol yönetmen Luis Buñuel ayrıca Viridiana (1961) ve Yok Edici Melek (1962) gibi şok edici, sürrealist hicivlerle film sanatına büyük katkıda bulundu .

Rus yönetmen Andrei Tarkovsky'nin filmi Andrei Rublev (1966), aynı adı taşıyan ortaçağ Rus ikon ressamının portresidir . Film aynı zamanda sanatsal özgürlük ve baskıcı bir otorite için ve onun karşısında sanat yapmanın imkanı ve gerekliliği hakkındadır. Filmin bir kurgusu 1969 Cannes Film Festivali'nde gösterildi ve burada FIPRESCI ödülünü kazandı. On yılın sonunda, Stanley Kubrick'in 'ın 2001: Bir Uzay Destanı (1968) özel efektler kullanımı öncü, bilimsel gerçekçilik ile izleyicileri büyüledi ve sıradışı görsel imge. 1969'da Andy Warhol , Amerika Birleşik Devletleri'nde geniş vizyona giren ilk yetişkin sanat filmi olan Mavi Film'i yayınladı . Warhol'a göre, Mavi Film , Bernardo Bertolucci tarafından yönetilen ve Blue Movie yapıldıktan birkaç yıl sonra vizyona giren , uluslararası düzeyde tartışmalı bir erotik sanat filmi olan Paris'te Son Tango'nun yapımında büyük bir etkiye sahipti . Sovyet yılında Ermenistan , Sergey Paracanov 'ın Nar The Renk ettiği, Gürcü oyuncu Sofiko Chiaureli beş farklı karakterler oynar, uzun süre Sovyet makamları tarafından Batı'da kullanılamaz yasaklandı ve eleştirmen tarafından da övgüyle Mikhail Vartanov 'devrimci' olarak; ve 1980'lerin başında, Les Cahiers du Cinéma filmi ilk 10 listesine yerleştirdi. 1967'de Sovyet Gürcistan'da , etkili Gürcü film yönetmeni Tengiz Abuladze , Vaja-Pshavela'nın edebi eserlerindeki motiflere dayanan, hikayenin şiirsel bir anlatı tarzında anlatıldığı, felsefi ve sembolik sahnelerle dolu Vedreba'yı ( Yalvarma ) yönetti. anlamlar. İran ise, Daryuş Mehrcui 's Cow yeni dalga yol açtı sevgili inek ölümünden sonra deli olur bir adam hakkında (1969), İran sineması .

1970'ler

1970'lerin başında yönetmenler, A Clockwork Orange (1971), Stanley Kubrick'in fütürist gençlik çetelerini acımasızca keşfetmesi ve Last Tango in Paris (1972), Bernardo Bertolucci'nin tabuları yıkan, cinsel açıdan açık ve net olmayan filmleri gibi şiddet içeren filmlerle izleyicileri şok etti. tartışmalı film Aynı zamanda, diğer yönetmenler, Andrei Tarkovsky'nin güya 2001'e bir Sovyet tepkisi olarak düşünülen meditatif bilim kurgu filmi Solaris (1972) gibi daha içebakışlı filmler yaptılar . Sırasıyla 1975 ve 1979'da Tarkovsky, yurtdışında eleştirel beğeni toplayan iki film daha yönetti: The Mirror ve Stalker . Badlands (1973) ve Days of Heaven (1978) filmlerini yöneten Terrence Malick , uzun, kalıcı doğal güzellik çekimleri, çağrıştırıcı görüntüler ve şiirsel anlatım tarzı gibi birçok özelliği Tarkovsky ile paylaştı.

1970'ler sanat filmleri başka bir özelliği de eziyet, takıntılı başlık karakter bol tuhaf karakterler ve görüntüsünün öne dönüş oldu Alman Yeni Dalga yönetmeni Werner Herzog 'ın Aguirre, Tanrının Gazabı (1973), ve de kült filmler böyle olarak Alejandro Jodorowsky bireyin psychedelic The Holy Mountain bir hırsız ve mitsel arayan bir simyacı hakkında (1973) Lotus Island . Martin Scorsese'nin Taksi Şoförü (1976) filmi , Otomatik Portakal'ın keşfettiği temaları sürdürüyor : Şiddetli, çürüyen bir toplumda yaşayan yabancılaşmış bir nüfus. Scorsese'nin filminin sert şiddeti ve kaynayan öfkesi, David Lynch'in rüya gibi, gerçeküstü ve endüstriyel siyah beyaz klasiği Eraserhead (1977) gibi aynı dönemde vizyona giren diğer filmlerle tezat oluşturuyor . 1974'te John Cassavetes , yavaş yavaş deliliğe inen eksantrik bir ev hanımını konu alan Etki Altında Bir Kadın'da Amerikan mavi yakalı yaşamı hakkında keskin bir yorum yaptı .

Ayrıca 1970'lerde, Radley Metzger birkaç yönlendirilmiş yetişkin sanat filmleri gibi, Barbara Broadcast bir takdim (1977), gerçeküstü "Buñellian" atmosfer ve Dumanlı Beethoven'ın Açılış oyununa dayanıyor, (1976) Pygmalion tarafından George Bernard Shaw ( ve onun türevi olan My Fair Lady ), ödüllü yazar Toni Bentley'e göre , Andy'nin serbest bırakılmasıyla başlayan modern Amerikan kültüründe bir dönem olan Altın Porno Çağı'nın "taç mücevheri" olarak kabul edildi. Warhol'un Mavi Filmi (1969) ve yetişkin erotik filmlerinin geniş vizyona girmeye başladığı, ünlüler ( Johnny Carson ve Bob Hope gibi ) tarafından kamuoyu önünde tartışıldığı ve film eleştirmenleri ( Roger gibi) tarafından ciddiye alındığı " porno şıklığı " olgusunu öne çıkardı. Ebert'e göre ).

1980'ler

1980'de yönetmen Martin Scorsese , Steven Spielberg ve George Lucas'ın gişe rekorları kıran kaçış maceralarına alışmış izleyicilere Raging Bull filminin cesur, sert gerçekçiliğini verdi . Bu filmde, aktör Robert De Niro , bir boksörün ödüllü genç bir dövüşçüden aşırı kilolu, "eski" bir gece kulübü sahibine düşüşünü canlandırmak için oyunculuk yöntemini aşırı derecede kullandı. Ridley Scott 'ın Blade Runner (1982) aynı zamanda birlikte bir bilim kurgu sanat filmi olarak görülebilir 2001: A Space Odyssey (1968). Blade Runner varoluşçuluk temalarını veya insan olmanın ne anlama geldiğini araştırıyor . Bir gişe başarısızlığı olan film , bir "yönetmenin kurgusunun " yayınlanmasının ardından VHS ev videosu aracılığıyla başarılı olduktan sonra kült bir tuhaflık olarak sanat evi devresinde popüler oldu . On yılın ortasında, Japon yönetmen Akira Kurosawa, Ran'da (1985) 16. yüzyıldaki Japon samuray savaşının acımasız, kanlı şiddetini tasvir etmek için gerçekçiliği kullandı . Ran , yaşlı bir kralın çocukları tarafından ihanete uğradığı Kral Lear'ın planını takip etti. Sergio Leone , Once Upon a Time in America'daki destansı gangster yaşamı hikayesinde vahşi şiddeti duygusal özle karşılaştırdı .

Kapsamlı setler sanat filmlerinden çok ana akımla ilişkilendirilirken, Japon yönetmen Akira Kurosawa 1985 filmi Ran için birçok set inşa ettirdi , buna bir ortaçağ kapısının bu rekreasyonu da dahil.

1980'lerdeki diğer yönetmenler, felsefi ve etik konuları araştırarak daha entelektüel bir yol seçtiler. Andrzej Wajda 'ın Demir Adam (1981), Polonya komünist bir hükümet eleştirisi, 1981 kazandı Altın Palmiye de Cannes Film Festivali . Başka Polonyalı yönetmen, Krzysztof Kieslowski , yapılan on emir 1988 yılında televizyon için, etik sorunlar ve ahlaki bulmaca araştıran bir film serisi. Bu filmlerden ikisi olarak Sinemalarda edildi About Love Kısa Film ve Öldürme Üzerine Kısa Bir Film . 1989 yılında, Woody Allen deyimiyle, yapılan New York Times eleştirmeni Vincent Canby , onun en "Bugüne kadar güvenli ciddi ve komik bir film", Suçlar ve Kabahatler ise ahlaki ve manevi sadelik bulmaya çalışırken insanların birden hikayeleri içerir, yaptıkları seçimleri çevreleyen korkunç sorunlar ve düşüncelerle karşı karşıya kalırlar. Fransız yönetmen Louis Malle onun gerçek hayattaki çocukluk deneyimleri dramatizasyon ile keşfetmek için başka ahlaki yolunu seçti Elveda Çocuklar Dünya Savaşı sırasında toplama kamplarına Fransız Yahudileri işgal Nazi hükümetinin sınır dışı tasvir.

Bu dönemden eleştirel olarak övülen bir başka sanat filmi olan Wim Wenders'ın yol filmi Paris, Texas (1984) da Altın Palmiye kazandı.

Kieslowski, sinema ve televizyon arasındaki farkı aşan tek yönetmen değildi. Ingmar Bergman yapılan Fanny ve Alexander uzun bir beş saatlik sürümünde televizyonda gösterildiği (1982). Birleşik Krallık'ta, yeni bir televizyon kanalı olan Channel 4 , Film 4 yan kuruluşu aracılığıyla sinemalarda yayınlanan birçok filmi kısmen veya tamamen finanse etti . Wim Wenders , Cannes Film Festivali'nde En İyi Yönetmen Ödülü'nü kazanan, erkekler arasında yaşayan bir "düşmüş melek"i betimleyen 1987 yapımı Wings of Desire adlı filminde, hayata manevi açıdan başka bir yaklaşım sundu . 1982'de deneysel yönetmen Godfrey Reggio , sinematografiyi ve felsefi ideolojiyi vurgulayan diyalogsuz bir film olan Koyaanisqatsi'yi yayınladı . Öncelikle şehirlerin ve doğal manzaraların ağır çekim ve hızlandırılmış sinematografisinden oluşur ve bu da görsel bir ton şiiriyle sonuçlanır .

1980'lerde yönetmenlerin kullandığı bir başka yaklaşım da tuhaf, gerçeküstü alternatif dünyalar yaratmaktı. Martin Scorsese 's Saatler sonra (1985) gizemli karakterler ile rastlantılarla bir gerçeküstü gece dünyada bir insanın şaşırtıcı maceralar tasvir bir komedi-gerilim. David Lynch 'in Mavi Kadife (1986), bir kara film tarzı gerilim-gizem sembolizm ve polarize dünyalar hakkında metaforların dolu ve küçük bir kasaba çirkin yeraltı gizli çarpık karakterleri yaşadığı, onun son derece rahatsız edici dikkate şaşırtıcı şekilde başarılı oldu konu. Peter Greenaway 'ın Aşçı, Hırsız, Karısı ve Aşığı (1989) bir fantezi / olan siyah komedi hakkında yamyamlık içinde 'elit kültürü' bir eleştirisi: entelektüel tema ile ve aşırı şiddet Thatcherian Britain.

Göre Raphaël Bassan , yazısında " melek : Un meteore dans le ciel de l'animasyon", Patrick Bokanowski 'ın The Angel gösterilen, 1982 Cannes Film Festivali , çağdaş animasyon başlangıcı olarak kabul edilebilir. Karakterlerin maskeleri tüm insan kişiliğini siler ve çarpık alanlar, belirsiz görüntüler, metamorfozlar ve sentetik nesneler kullanarak görüntünün "maddesi" ve optik bileşimi üzerinde tam kontrol izlenimi verir.

1989 yılında, Hou Hsiao-Hsien filmi Üzüntü Bir Şehir ilk filmi Tayvan got Altın Aslan dan Venedik Film Festivali'nde , bu bir ailenin içinden Tayvan tarihini gösterilen hakiki haberleri gösterecek olan Tayvanlı Yeni Dalga, bir başka adımdır Tayvan yaşamının gerçekçi, gerçekçi ve sempatik tasvirleri aracılığıyla, kentsel veya kırsal Tayvan'da yaşayan insanların

1990'lar

1990'larda, yönetmenler başarısı ilham aldı David Lynch 'in Mavi Kadife (1986) ve Peter Greenaway'in ' ın Aşçı, Hırsız, Karısı ve Aşığı (1989) ve tuhaf alternatif dünyalar ve sürrealizm unsurları ile filmler oluşturdu . Japon yönetmen Akira Kurosawa'nın Düşleri (1990) onun yaratıcı düşlerini pastoral kırsal kırsal manzaralardan işkence görmüş iblislerin korkunç vizyonlarına ve nükleer savaş sonrası harap bir manzaraya kadar uzanan bir dizi kısa hikayede tasvir etti. Coen kardeşlerin ' Barton Fink kazandı (1991), Altın Palmiye de Cannes Film Festivali , alkolik dahil olmak üzere tuhaf karakterler, küfürlü romancı ve a bir dizi karşılaştığında bir yazar hakkında esrarengiz hikayede çeşitli edebi imalar özellikleri seri katil. Blue Velvet ile aynı yönetmenin imzasını taşıyan Lost Highway (1997), fantastik dünyaları, tuhaf zaman-mekan dönüşümlerini ve gerçeküstü görüntüleri kullanarak zihinsel çöküşleri araştıran psikolojik bir gerilim filmi .

1990'lardaki diğer yönetmenler, kimlik, şans, ölüm ve varoluşçuluk gibi felsefi konuları ve temaları araştırdı. Gus Van Sant 's My Own Private Idaho (1991) ve Wong Kar-wai s' Chungking Express (1994) kimlik temasını araştırdı. İlki, ev ve kimlik arayışı temasını araştıran iki genç sokak serserisi hakkında bağımsız bir yol filmi/arkadaş filmi. "90'ların bağımsız filminde yüksek su işareti", "sert, şiirsel bir ruminasyon" ve "yüksek sanatsal kalitede" bir "film deneylerinde egzersiz" olarak adlandırıldı. Chungking Express , modern Hong Kong'un "metaforik beton ormanında" kimlik, kopukluk, yalnızlık ve izolasyon temalarını araştırıyor. Todd Haynes bir banliyö ev kadını yaşamını ve 1995 kritik sevgilim toksik maddelerden onu nihai ölümü araştırdı Güvenli .

1991'de, Tayvanlı bir Yeni Dalga yönetmeni olan Edward Yang'ın bir başka önemli filmi , Daha Parlak Bir Yaz Günü , Çin'den Tayvan'a tahliye edilen ve siyasi durumdan, okul durumundan ve aile durumundan etkilenen normal bir genç yaşamının tasviridir. sonunda bir kızı öldürür. 1992'de, Tsai Ming- liang'ın ilk uzun metrajlı filmi Neon Tanrı'nın İsyancıları , ikinci nesil Tayvan Yeni Dalgası, yabancılaşma, aktörün yavaş hareketi (yinelenen oyuncu kadrosu) gibi kendine özgü film yapım tarzına sahiptir. , Lee Kang-sheng ), yavaş tempolu ve birkaç diyalog.

Daryush Shokof'un filmi Seven Servants (1996), son nefesine kadar dünya ırklarını "birleştirmek" için çabalayan bir adam hakkında özgün bir yüksek sanat sineması eseridir. Yedi Hizmetkar'dan bir yıl sonra , Abbas Kiyarüstemi'nin Cannes Film Festivali'nde Altın Palmiye kazanan filmi Kirazın Tadı (1997) benzer bir hikayeyi farklı bir açıyla anlatıyor; iki film de intihar ettikten sonra kendisini gömmesi için birini tutmaya çalışan bir adam hakkında. Yedi Hizmetkar , minimalist bir tarzda, uzun çekimler, yavaş bir tempo ve uzun sessizliklerle çekildi. Film aynı zamanda seyirci ile karakterler arasında bir mesafe hissi yaratmak için uzun çekimler ve üstten çekimler kullanmasıyla da dikkat çekiyor. Zhang Yimou'nun 1990'ların başındaki Ju Dou (1990), Raise the Red Lantern (1991), The Story of Qiu Ju (1992) ve To Live (1994) gibi eserleri , insan duygularını dokunaklı anlatılarla keşfediyor. To Live , Jüri Büyük Ödülü'nü kazandı.

1990'ların birkaç filmi, yaşam, şans ve ölümle ilgili varoluşçu yönelimli temaları araştırdı. Robert Altman 'ın Short Cuts (1993) 10 paralel ve iç içe hikayeleri takip ederek şans, ölüm ve aldatma gibi temalara. Venedik Film Festivali'nde Altın Aslan ve Volpi Kupası'nı kazanan film, Chicago Tribune eleştirmeni Michael Wilmington tarafından "çok yönlü, çok ruhlu, göz kamaştırıcı şekilde yapılandırılmış eklektik caz duvar resmi" olarak adlandırıldı . Krzysztof Kieslowski 's Véronique'in İkili Yaşamı (1991) kimlik tema ve Avrupa'da Doğu / Batı bölünme hakkında siyasi alegoriye konu alıyor; film, stilize sinematografi, eterik bir atmosfer ve açıklanamayan doğaüstü unsurlar içeriyor.

Darren Aronofsky 'ın filmi Pi (1998) paranoid matematikçi yönettiği 'barış için arama' ile ilgili bir 'hem inanılmaz tarzı ve maddeyle dolu inanılmaz derecede karmaşık ve belirsiz filmi' dir. Film, David Lynch'ten ilham alan "siyah-beyaz, tüm işlemlere rüya gibi bir atmosfer katan" bir "ürkütücü Eraserhead benzeri dünya" yaratıyor ve "metafizik ve maneviyat" gibi konuları araştırıyor. Matthew Barney 'in Cremaster Döngüsü (1994-2002) yaratılış sürecini ortaya koymak hedeflenmektedir kendinden kapalı estetik bir sistem oluşturur beş sembolik, alegorik filmlerin bir döngüdür. Filmler üreme organlarına ve cinsel gelişime göndermelerle doludur ve biyografi, mitoloji ve jeolojiden alınan anlatı modellerini kullanır.

1997'de Terrence Malick , tipik savaş filmlerinden ayrı durmak için şiiri ve doğayı kullanan bir savaş filmi olan The Thin Red Line ile 20 yıllık bir aradan döndü . En İyi Film ve En İyi Yönetmen de dahil olmak üzere yedi Akademi Ödülü'ne aday gösterildi .

1990'ların bazı filmleri, felsefi konuların keşfi ile eterik veya gerçeküstü bir görsel atmosferi karıştırır. Satantango (1994), Macar yönetmen Bela Tarr tarafından , 7+12 saatlik, siyah beyaz çekilmiş, dolandırıcı Irimias'ın Macaristan'da belirsiz bir yerdeki bir köye geri dönerken, Tarr'ın en sevdiği tema olan yetersizlik konusunu ele alan,kendisini lider ve Mesih figürü olarak sunan film. cahil köylüler. Kieslowski'nin Üç Renk üçlemesi (1993–94), özellikle Mavi (1993) ve Kırmızı (1994), insan ilişkileri ve insanların günlük yaşamlarında bunlarla nasıl başa çıktıklarıyla ilgilenir. Filmlerin üçlemesi, "gerçekten aşkın bir deneyim" yaratan "maneviyat ve varoluşçuluk keşifleri" olarak adlandırıldı. The Guardian , Breaking the Waves'i (1996) en iyi 25 sanat filminden biri olaraklisteledi. Eleştirmen, " Lars von Trier'in kariyerini (ve dolayısıyla modern Avrupa sinemasının çoğunu)tanımlamaya gelen tüm bileşenlerburada mevcut: yüksek telli oyunculuk, yenilikçi görsel teknikler, acı çeken bir kadın kahraman, sorunlu drama ve her şeyi kaçırılmayacak hale getirmek için galvanizli bir tartışma çekimi".

2000'ler

Film Journal International'dan Lewis Beale, Avustralyalı yönetmen Andrew Dominik'in western filmi The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford'un (2007) "hem sanat hem de tür filmi olarak başarılı olan büyüleyici, edebi temelli bir çalışma" olduğunu belirtti. Geçmişin aksiyon odaklı Jesse James filmlerinden farklı olarak, Dominik'in alışılmadık destanı, belki de daha doğru bir şekilde, kanun kaçağının hayatının son aylarında, yakalanma paranoyasına yenik düşerken ve nihai suikastçısı Robert ile güvencesiz bir dostluk geliştirirken vazgeçen ruhunu ayrıntılarıyla anlatıyor. Ford .

2009'da yönetmen Paul Thomas Anderson , 2002 yapımı Utangaç, bastırılmış öfke-kolik hakkındaki Punch-Drunk Love filminin "bir sanat evi Adam Sandler filmi" olduğunu iddia etti. ; eleştirmen Roger Ebert, Punch Sarhoş Aşk'ın "tüm Adam Sandler filmlerinin anahtarı olabileceğini ve Sandler'ı işinde yeni bir yön için özgürleştirebileceğini iddia ediyor . O aptal komedileri sonsuza kadar sürdüremez, değil mi? Kim? böyle keşfedilmemiş derinlikleri olduğunu tahmin ettiniz mi?"

2010'lar

Apichatpong Weerasethakul 'ın Amca Boonmee Who Can Hatırlama O'nun Past Lives 2010 Cannes Altın Palmiye, "sadece ölüm ve reenkarnasyon niteliğine hareketli güzel çekilmiş sahneler ve komik musings bir dizi ne olabileceğini birlikte bağları kazandı, ask , kayıp ve karma". Weerasethakul, Tayland film stüdyosu sisteminin katı sınırlarının dışında çalışan bağımsız bir film yönetmeni, senarist ve film yapımcısıdır. Filmleri rüyalar, doğa, kendi eşcinselliği dahil cinsellik ve Tayland ve Asya'nın Batılı algıları ile ilgilenir . Weerasethakul'un filmleri, alışılmamış anlatı yapıları (bir filmin ortasına başlıklar/krediler yerleştirmek gibi) ve aktör olmayanlarla çalışmak için bir tercih sergiler.

Terrence Malick 'in Hayat Ağacı (2011) gelişim yıl sonra serbest bırakıldı ve Altın Palmiye kazandı edildi 2011 Cannes Film Festivali ; eleştirmenler tarafından çok övüldü. Connecticut , Stamford'daki Avon Tiyatrosu'nda , filme yönelik "bazı müşteri geri bildirimleri ve kutuplaşmış bir izleyici tepkisi" nedeniyle sinemanın geri ödemesiz politikası hakkında bir mesaj yayınlandı. Tiyatro, "bu iddialı sanat eserinin ve diğer zorlu filmlerin arkasında durduğunu" belirtti. Nicolas Winding Refn'in yönettiği Drive (2011), genellikle arthouse aksiyon filmi olarak adlandırılır . Yine 2011'de yönetmen Lars von Trier , depresyon ve diğer zihinsel bozukluklarla ilgilenen ve aynı zamanda bir ailenin Dünya ile çarpışabilecek yaklaşan bir gezegene tepkisini gösteren bir film olan Melancholia'yı yayınladı . Film iyi karşılandı, bazıları bunun Von Trier'in başyapıtı olduğunu iddia ederken, diğerleri Kirsten Dunst'ın performansını, görselleri ve filmde tasvir edilen gerçekçiliği vurguladı .

Jonathan Glazer 's Cilt altında gösterilmesine 2013 Venedik Film Festivali'nde ve indie stüdyoda aracılığıyla bir tiyatro sürüm aldı A24 ertesi yıl. Başrolünde Scarlett Johansson'ın yer aldığı film, Glasgow'u dolaşan , seks için temkinli olmayan erkekleri toplayan, etlerini toplayan ve insanlıklarını soyan insan şeklindeki bir uzaylıyı konu alıyor . Cinsellik, insanlık ve nesneleştirme gibi temaları işleyen film, olumlu eleştiriler aldı ve bazıları tarafından bir başyapıt olarak övüldü; eleştirmen Richard Roeper filmi "sanat olarak film hakkında konuştuğumuzda bahsettiğimiz şey" olarak nitelendirdi.

Bu on yıl aynı zamanda Beyond the Black Rainbow (2010), Black Swan (2010), Stoker (2013), Enemy (2013), The Babadook (2014), Only gibi filmlerin başarısıyla " sanat korku "nun yeniden ortaya çıkmasına tanık oldu. Lovers Left Alive (2014), A Girl Walks Home Alone at Night (2014), Goodnight Mommy (2014), Nightcrawler (2014), It Follows (2015), Cadı (2015), The Wailing (2016), Split (2016) ), sosyal gerilim filmi Get Out (2017), Anne! (2017), Annihilation (2018), A Quiet Place (2018), Kalıtsal (2018), Suspiria (2018; aynı adı taşıyan 1977 filminin yeniden çevrimi ), Mandy (2018), The Nightingale (2018), The House That Jack Built (2018), Us (2019), Midsommar (2019), The Lighthouse (2019), Color Out of Space (2019) ve En İyi Film Akademi Ödülü sahibi Parazit (2019).

Roma (2018), Alfonso Cuarón'un 1970'lerin Meksika'sında geçen çocukluğundan esinlenenbir film. Siyah-beyaz çekilen film, ölüm ve sınıf gibi Cuarón'un geçmiş filmleriyle paylaşılan temaları ele alıyor. Film Netflix aracılığıyla dağıtıldıve yayın devi En İyi Film dalındailk Akademi Ödülü adaylığını kazandı .

Arthouse animasyonu ( Song of the Sea ve Loving Vincent gibi Oscar adayı oyunlarla birlikte) , önceki on yılda beğenilen animatörler Satoshi Kon , Don Hertzfeldt ve Ari Folman'ın çalışmalarının yanı sıra ana akım animasyon filmlerine bir alternatif olarak bu dönemde ivme kazanıyordu .

2020'ler

Bu on yılın erken dönemlerinde sırasında Sanatevi ücreti dahil Miranda July 'ın Kajillionaire ve Wes Anderson ' ın The French Dispatch .

eleştiri

Sanat filmlerine yönelik eleştiriler, ana akım izleyiciler için fazla gösterişli ve rahatına düşkün olmayı içerir.

LA Weekly sinema yazarı Michael Nordine filmler gösterdi Gummo bir "art-house olarak (1997) sömürü fiske " ve Amores Perros (2000) "daha çok ölü köpeklerin arasında art-house klişe örnekleyen Kırmızı Fern Büyüyor nerede ve diğer her ortaokulda okumak zorunda olduğun kitap".

Ilgili kavramlar

Sanatsal televizyon

Kaliteli sanatsal televizyon , sanat filmleriyle aynı özelliklerin bazılarını paylaşan bir televizyon türü veya stili tanımlanmıştır. Böyle David Lynch'in olarak Televizyon gösterileri, İkiz Tepeler ve BBC 's The Singing Detective , aynı zamanda "nedensellik, psikolojik veya anekdot gerçekçilik daha büyük bir vurgu, uzay ve zamanın klasik netlik, açık yazar yorumuna ve belirsizlik ihlallerin bir gevşeme var ".

Lynch'in diğer çalışmalarının çoğunda olduğu gibi (özellikle Blue Velvet filmi ), Twin Peaks , küçük kasaba saygınlığının cilası ile yüzeyinin altında gizlenen hayatın daha sefil katmanları arasındaki uçurumu araştırıyor. Gösteriyi belirli bir televizyon türüne yerleştirmek zordur; üslup olarak, korku filmlerinin rahatsız edici tonunu ve doğaüstü öncüllerini ödünç alır ve aynı zamanda , tuhaf karakterlerinin ahlaki açıdan şüpheli faaliyetlerinin kampy , melodramatik bir sunumuyla birlikte Amerikan pembe dizilerinin tuhaf bir şekilde komik bir parodisini sunar . Gösteri, hem tuhaf mizah hem de derin bir sürrealizm damarı ile ayırt edilen ciddi bir ahlaki sorgulamayı temsil ediyor ve son derece stilize edilmiş vinyetleri, gerçeküstücü ve çoğu zaman erişilemeyen sanatsal görüntülerin yanı sıra olayların başka türlü anlaşılabilir anlatısını birleştiriyor.

Charlie Brooker 'in Emmy Ödülü ödüllü İngiltere'de odaklı Siyah Ayna televizyon dizisi karanlık ve özellikle yeni teknolojilerin beklenmedik sonuçlarıyla ilgili olarak modern toplumda, bazen hiciv temaları araştırıyor; Sanat televizyonu yerine "spekülatif kurgu" olarak sınıflandırılırken, çok eleştiriler aldı. HBO'nun The Wire dizisi, akademisyenlerden çoğu televizyon programından daha fazla eleştirel ilgi gördüğü için "sanatsal televizyon" olarak da nitelendirilebilir. Örneğin, film teorisi dergisi Film Quarterly , gösteriye kapağında yer verdi.

popüler medyada

Sanat filmleri, The Simpsons ve Clone High gibi animasyonlu sitcomlardan popüler kültürün bir parçası olmuştur ve onları komedi film inceleme web dizisi Brows Held High'a (Kyle Kallgren'in ev sahipliğinde) kadar hicvetmiştir.

Ayrıca bakınız

Referanslar

Dış bağlantılar